Он выполнял повеление императрицы Елизаветы Петровны вызвать в столицу актеров, «которые в Ярославле содержали театр и играют комедии, и кто им для того еще потребны будут». В России театральная афиша появилась в XVIII веке, а распространение получила уже в следующем, XIX веке. Михаила Рощина, Александра Вампилова, Аллы Соколовой, Василия Шукшина, Александра Галина и других. Начало начал или откуда появился театр. В то время у неё сгорела квартира, и когда она сообщила новость режиссёру, тот только обрадовался.
От скоморошества до храмины. Как на Руси зарождалось театральное искусство
| Telegram: Contact @theatregwld | Всемирный день театра 2025 — праздник всех театральных деятелей и ценителей искусства. |
| Всемирный день театра в 2024 году: история и традиции праздника: Общество: Мир: | первое здание театра было построено примерно за 500 лет до нашей эры в Афинах; в Древнем Риме первый театр появился только за 48 лет до нашей эры. |
| Надо знать: 10 сентября 1756 года в Петербурге открылся первый постоянный публичный театр в России | Когда театр вошел в нашу литературу? |
Свет! Занавес! Аплодисменты: 6 интересных фактов во Всемирный день театра в России
Администрация театра и актёры сразу же решили возвращаться в Горький. Труппа с большим трудом покидала Москву. Уже начинались перебои в движении поездов. Добирались кто автомобилем, кто пароходом по каналу Москва-Волга, а кто и по Оке. Когда весь коллектив собрался в Горьком, было принято решение отказаться от очередного отпуска и продолжить работу в театре. Именно в тяжёлое военное время раскрылась сильная и глубокая связь театра со зрителем.
Для игры на сцене во время войны часто выбирались спектакли, способствующие поднятию духа и патриотическому настрою. Зрительный зал каждый раз был переполнен, что свидетельствовало о высокой потребности людей в искусстве. Труппа театра работала без выходных. Вместо отдыха артисты выступали в госпиталях, воинских частях, колхозах в разных районах области и на других значимых объектах. В военные годы режиссёры также активно ставили спектакли по произведениям Максима Горького.
С успехом шла пьеса «Мещане», а в 1942 года возглавивший художественное руководство Николай Покровский выпустил один из своих лучших спектаклей — «Варвары». А в следующем году режиссёр Всеволод Лермин выпустил в новой редакции спектакль «Враги». К 150-летию А. Грибоедова Н. Покровский поставил бессмертную комедию «Горе от ума» и сам исполнил роль Чацкого в нескольких премьерных спектаклях.
Премьера состоялась в середине мая, через несколько дней после победы над фашистами. Великая Отечественная война победоносно завершилась. Четыре военных сезона театр держался изо всех сил, продолжая сохранять традиции. Позднесоветский период В послевоенное время театр сделал акцент на русской классической драматургии. Многое из показанного в предыдущие годы обрело новую трактовку.
Ставились пьесы И. Тургенева, А. Островского, А. Николай Покровский установил традицию — ежегодно выпускать спектакли по пьесам М. В 1943 году театру было присвоено имя Максима Горького, а в 1949 году театральный коллектив получил награду — орден Трудового Красного Знамени.
С 1956 года режиссёром стал Меер Абрамович Гершт. В 1968 году театру было присвоено звание «академический», а его постановки не раз удостаивались престижных премий. Среди творческих работников театра того времени — лауреаты почётных званий и наград Нижнего Новгорода, заслуженные и народные артисты России. Кроме того, в 1983-1985 гг.
Само действо длилось почти целый день и включало в себя театральное представление, хореографические номера, игру на музыкальных инструментах. Костюмы для актеров сшили из дорогих тканей, сцену осветили множеством свечей. В дальнейшем спектакли в «Комедийной хоромине» давали регулярно. После смерти царя Алексея Михайловича в 1676 году представления прекратились, однако многие знатные особы продолжали ставить спектакли в собственных домах. Вновь интерес к театральному искусству на государственном уровне возник во время царствования Петра I.
Государь бывал на представлениях, когда путешествовал по Европе, и считал развитие театра важным делом. Так, в 1702 году начал работу первый государственный публичный театр. Актеры прибыли из-за рубежа — это была странствующая немецкая труппа, которой руководил Иоганн Кунст. Место для нового здания театра определили на Красной площади, а открыли его зимой 1702 года. Здесь шли пьесы о военных победах России и представления на исторические сюжеты.
В это время искусство театра также начало расцветать в России, где более известными стали Московский художественный театр, Большой театр в Москве, Мариинский театр в Санкт-Петербурге и другие. В течение ХХ века театр продолжил совершенствоваться. Появились новые направления и эксперименты в сфере театрального искусства. Известные режиссёры, например Константин Станиславский и Всеволод Мейерхольд, оказали значительное влияние на развитие отечественного театра. Константин Станиславский вошёл в российскую историю как великий реформатор театра. Впервые же это событие отметили в 1962 году. Традиции праздника Каждый год 27 марта известный представитель театральной сферы обращается ко всему международному сообществу с посланием. В этот день высокопоставленные чиновники поздравляют театральных работников с профессиональным праздником, вручают им грамоты и призы за их выдающиеся достижения. Кроме того, проводятся мастер-классы и семинары для театральных актёров, а также актёрские тренинги. Культурные учреждения организуют тематические выставки и премьерные показы. В учебных заведениях ставят спектакли по классическим произведениям.
Называлось оно «орхестра» — именно от этого слова произошло современное «оркестр». В постановке хор создавал настроение и объяснял зрителю эмоции, которые испытывает тот или иной персонаж. Каждую пьесу в древнегреческом театре показывали только раз. Повторы были большой редкостью, да и вообще спектакли ставили лишь три раза в год — на праздники в честь бога Диониса. Со временем черты древнегреческого театра позаимствовали римляне, в III-II веках до нашей эры у них сложилась своя театральная традиция, в которой отчетливо выражались черты рабовладельческого общества в противовес более древнему искусству демократических Афин: актеры перестали пользоваться уважением, труппы набирали из рабов, а героический жанр трагедии уступил место сатире и более приземленной комедии. Во главе искусства того времени стоял Бог, а не человек: все телесное и праздное церковь резко осуждала, но совсем запретить веселиться все же не могла. Народное искусство Средневековья представляли бродячие артисты — гистионы и менестрели, которые развлекали людей на площадях бесхитростными представлениями. Чуть выше в так называемой театральной иерархии стояли ваганты — бывшие семинаристы, высмеивающие в музыкальных куплетах церковные традиции и обряды. Иногда они даже устраивали пародийные сатирические представления, которые назывались «соти». Ближе к IX веку нашей эры начала оформляться традиция религиозного театра. В противовес низменному уличному искусству церковь старалась сделать богослужения более зрелищными — так появился жанр литургической драмы, когда прямо в процессе службы в храме разыгрывали сюжеты из Священного писания. Первой такой драмой стала сцена трех Марий, пришедших ко гробу Христа. Роли Марий исполняли священники, так как женщины не могли принимать участие в богослужении наравне со священнослужителями. Именно из литургической драмы в XVII веке произошел вертеп — христианский кукольный рождественский театр со сценами рождения Христа и поклонениями младенцу пастухов и волхвов Светский театр получил развитие только в эпоху Ренессанса. Тогда у театров появились собственные здания, что расширило режиссерские возможности — теперь при создании постановок можно было экспериментировать со звуком, светом и декорациями. Во многом благодаря этому в Италии сложилась новая форма театрального искусства — опера. В Англии появились публичные общедоступные драматические театры «Глобус», «Роза», «Куртина», «Фортуна» и другие: в них играли постановки Шекспира и других известных драматургов. В Испании продолжали пользоваться успехом представления религиозного театра, однако в публичных театрах широко шли «народные» спектакли. Благодаря развитию науки и техники изменился общественный климат, и во главу философии театральных постановок снова встал человек, а не Бог. Эпоху Возрождения называют так отчасти потому, что в это время начали возрождаться культурные постулаты античности Появление театра в России На Руси театр изначально был связан с язычеством — например, с обрядами на обильный урожай или свадебными церемониями. Позже народ стали развлекать скоморохи. С принятием христианства церковь выступила резко против представлений скоморохов и других народных увеселений. Однако этот вид искусства просуществовал еще очень долго — расцвет скоморошества пришелся на времена Ивана Грозного. Тех, кто привечал гусляров, домристов и других артистов, били палками.
История театра - это история человечества
| Первый театр в России — когда и где появился | Он появился в 1989 году, передает корреспондент «МИР 24» Анастасия Глебова. |
| История детского театра | Начало начал или откуда появился театр. Впервые о театральных представлениях упоминается в истории Древней Греции. Афинский театр V века до н. э. начался с ряженых шествий в честь религиозных праздников и предназначался для небольшой толпы зевак. |
История возникновения театра.
Считается, что театр возник в Древней Греции в V-VI вв. до нашей эры. Спектакли проводились в построенных специальным образом амфитеатрах (о них в отдельном посте). А причем тут Дионис? Театр «шагает» по планете Игрищный этап История театра (история возникновения) Средневековье и влияние Церкви на культуру. Первый национальный постоянно действующий театр появился при императрице Елизавете Петровне в 1756 году в Санкт-Петербурге. В этот театральный период возник Голливуд, который угрожал американскому театру.[114] Однако театр за это время не пришел в упадок, а фактически был известен и замечен во всем мире.[114] Теннесси Уильямс и Артур Миллер достигли всемирной известности в этот период. История возникновения театра уходит корнями в Древнюю Грецию более двух тысячелетий назад. 10 сентября 1756 года указом императрицы Елизаветы Петровны в Санкт-Петербурге был учрежден первый русский театр.
История детского театра
На рисунке изображена реконструкция театра и фото сохранившегося амфитеатра Конструкция древнегреческой сцены Сцена в Древней Греции состояла из нескольких элементов: Орхестра — центральной круглой части сцены, где располагался хор, так как основу первых театрализованных выступлений составляло хоровое пение, которое практически исчезло только в Древнем Риме. Дальнейшее развитие театрального искусства ознаменовалось появлением пьес и вошло в летописи именами Эсхила, Софокла, Эврипида, Аристофана. В дальнейшем количество актёров на сцене увеличивалось, и роль хора стала не столь значима, поэтому необходимость в орхестре отпала. Тогда эти места превратились в прототип VIP-ложи — их стали отдавать наиболее обеспеченным и знатным зрителям. Скена — так в древнегреческом театре назывались временные сооружения для переодевания актеров.
Сначала это были палатки, потом они сменились капитальными постройками, которые служили гримерками для актеров, откуда они выходили в пространство, называемое проскением. Проскений — это площадка, на которой актёры исполняли свои роли. Фасад скены представлял собой колоннаду или фасад дома и позволял разместить первые несложные декораций. Декорации дополнялись плоскими расписными щитами — пинаками, которые вставляли в пазы сцены.
Отсюда пошло известное нам и поныне второе название картинной галереи — пинакотека. Театрон — места для зрителей, открытое сооружение, оборудованное круглой или полукруглой площадкой с многоярусными ступенями для расположения людей, амфитеатром. Театрон отделялся от скены двумя проходами — пародами. На рисунке изображены схемы древнегреческой и древнеримской сцен Древний Рим — первый крупный реквизит и массовые зрелища В Древнем Риме ситуация была схожей, правда театр там появился на 400 лет позднее, чем в Греции.
Поскольку на древнеримских зрелищах хор практически не задействовали, орхестра там была меньше и занимала уже не полный круг, а полукруг. Римская сцена стала шире для размещения большего количества актеров, что позволило использовать крупные декорации гроб Дария в «Персах», скалу в «Прометее», колесницу в «Агамемноне» и другой театральный реквизит. В Древнем Риме публика стала требовать более изощренных зрелищ, и часто на смену театральным постановкам приходили знаменитые представления с дикими зверями и гладиаторские бои. В самых массовых из них количество участников достигало 16 тысяч человек.
Тот еще тимбилдинг на выживание! Такие зрелища требовали постройки более масштабных площадок, и если театр в Афинах вмещал 17 тыс. В римских театрах начали применяться более серьезные системы механизации. Не все знают, но в Колизее проводились даже морские бои, так называемые навмахии.
Позднее, после реконструкции, каналы для подведения воды были перестроены под трюмные помещения. На фотографиях знаменитый римский Колизей. Справа — реконструкция навмахий в Колизее Средние века — мистерии против уличных постановок В Средние века античный театр начинает клониться к упадку — на смену трагедиям и комедиям приходят выступления мимов, жонглеров, танцовщиков, гимнастов, укротителей диких животных. Место театра частично занимает цирк ипподром с его конными состязаниями, пользующимися огромной популярностью.
Развитие культуры в Средние века тесно сопряжено с развитием христианства, а самыми яркими шоу стали клерикальные церковные представления, которые уже во времена Византии превратились в пышную мистерию. В средневековье все сферы жизнедеятельности были под контролем церкви. Влияние церкви сказывалось и на развитии сценического пространства. Были запрещены гладиаторские бои и в Колизее водружен христианский крест, а цирковые и светские представления вытеснили постановки античных трагедий и комедий.
Место действия перенеслось в церкви и соборы.
В эпоху эллинизма VI-I вв. Эти изменения связаны с новыми историческими условиями. Все древнегреческие театры были открытыми и вмещали огромное количество зрителей. Афинский театр Диониса,например,вмещал до 17 тысяч человек,театр в Эпидавре-до 10 тысяч. Театр имел три главные части:орхестру,театрон места для зрителей,от глагола теаомай -"смотрю" и скену скенэ-"палатка",позже деревянное или каменное строение.
Истоки римского театра и драмы восходят,как и в Греции,к обрядовым играм,богатым карнавальными элементами. Таков,например,праздник Сатурналий-в честь италийского божества Сатурна. Особенностью этого праздника было "переворачивание" привычных общественных отношений:господа на время становились "рабами",а рабы-"господами". Одной из форм театрального искусства раннего средневековья стала церковная драма. Борясь против остатков античного театра,против сельских игрищ,церковь стремилась использовать действенность театральной пропаганды в своих целях. Уже в IX веке театрализуется месса,вырабатывается ритуал чтения в лицах эпизодов из легенд о жизни Христа,о его погребении и воскресении.
Из этих диалогов рождается ранняя литургическая драма. Существовало два цикла такой драмы-рождественский,рассказывающий о рождении Христа,и пасхальный,передающий историю его воскресения.
Основой репертуара "Современника" всегда были произведения, созданные современными авторами. Но не все пьесы, написанные специально для театра, смогли появиться на его сцене, но в первые десять лет жизни "Современник" старался быть театром, который говорит со своим зрителем с помощью пьес драматургов, отражающих в своем творчестве реалии и проблемы современного мира. Театр хотел выговориться в отпущенное ему время, как бы предчувствуя, что это время может пройти. Уже на первом спектакле молодого театра - "Вечно живые" Виктора Розова - зрители и критика обратили внимание на сильный актерский потенциал вчерашних студентов. Почти в каждой новой работе театр открывал новые возможности молодой труппы. Руководитель театра Олег Ефремов стимулировал в актерах занятия режиссурой, поощрял самостоятельные работы, привлекал близких по духу молодых режиссеров.
К исходу 60-х Московский театр "Современник" был сложившимся художественным организмом, с ярко выраженными творческими и гражданскими устремлениями, с сильной талантливой труппой. Театр много ездил по стране, и везде, где бы ни появлялись афиши "Современника", залы были заполнены до отказа. Горького и многие другие стали театральной легендой. Кризис наступил в 70-ом. Уже с конца шестидесятых годов "оттепель" стала сменяться холодным дыханием нового времени. Работать театру стало трудно. Впрочем, ему и раньше не было легко, не все замыслы были осуществлены и в годы "оттепели", но тогда коллектив был един, и это помогало держать круговую оборону против произвола цензуры. В семидесятом же произошел раскол.
За ним труппу покинула значительная часть ведущих актеров. Театр оказался обескровлен, лишен репертуара, к тому же перед ним стояла проблема смены поколений. Уход Ефремова многие восприняли как конец "Современника". Особенно мысль о конце пришлась по душе прессе, которая, под аккомпанемент рассуждений об исторической исчерпанности миссии "Современника", многое сделала, чтобы внушить эту мысль зрителю. Таким, в самых общих чертах было положение театра, когда в 1972 году труппа проголосовала за то, чтобы художественное руководство театров приняла на себя Галина Волчек. Вопреки прогнозом театр не умер. Но восстановить разрушенное было нелегко. Спектакль по пьесе Ч.
Айтматова и К.
Фронтовая бригада театра в это время дала больше 60 спектаклей и концертов на Воронежском и Сталинградском фронтах, сделала три выезда на 3-й Украинский и 2-й Балтийский фронты. Отчеты по возвращении из эвакуации свидетельствуют, что труппа дала 467 шефских спектаклей и концертов, провела 1214 художественных выступлений в палатах для раненых бойцов, организовала три смотра красноармейской художественной самодеятельности. Возвращение на Театральную площадь И снова, словно в малой капле, отразилась в жизни Центрального детского жизнь всей страны. Война оказалась тем невидимым, но отчетливо ощутимым рубежом, после которого все надо было начинать как будто заново. С 1960 по 1966 год он еще и художественный руководитель театра. Он привлекает к работе молодых режиссеров и новых авторов.
При могущественном Шахе так Константина Язоновича называли за глаза директором-распорядителем, а позже директором работал Михаил Яновицкий. В 1945-м при театре открылась своя студия и первые ее выпускники также пополнили труппу, становившуюся все более сильной, разноплановой, яркой. После обращения дирекции ЦДТ к Правительству был решен вопрос о возвращении театра в свой родной дом. Это произошло 6 декабря 1947 года: "Вчера у детей столицы был большой, радостный праздник, - сообщалось на следующий день в газетах. Двери одного из лучших Театральных зданий Москвы, находящегося на площади Свердлова, гостеприимно распахнулись перед юными зрителями". Она стала художественным руководителем ЦДТ. В январе 1949 года состоялась премьера спектакля "Где-то в Сибири" - пьесу И.
Ирошниковой поставил молодой Георгий Товстоногов, а в ноябре того же года О. Пыжова и В. Бибиков показали зрителям спектакль "Ее друзья" - первую пьесу начинающего драматурга Виктора Розова. Так открывалась в Центральном детском новая эпоха - действительно эпоха, потому что, начиная с этого спектакля, впервые сыгранного ноябрьским вечером и прошедшего около двухсот раз, Виктор Розов вошел в историю театра. Не только Центрального детского... Кнебель не делает скидок на возраст публики, среди самых известных ее спектаклей - "Горе от ума" и "Мертвые души". В эти годы театр становится одним из самых популярных в Москве.
В 1949 году премьерой в ЦДТ пьесы Виктора Розова "Ее друзья" начинается эпоха "розовских мальчиков" - пылких и бескомпромиссных молодых идеалистов. На пьесах Розова происходит режиссерское становление Анатолия Эфроса. Олег Ефремов переживает первую славу, играя в спектаклях "Страница жизни" и "В добрый час! Романтический идеализм пьес Розова как нельзя лучше отвечал духу оттепели - неспроста именно его пьесой "Вечно живые" Ефремов позже откроет театр "Современник". Пьесу Александра Хмелика со студийцами ставит Анатолий Эфрос. Сохранить верность традициям высокой культуры... И снова воцарившаяся затхлая общественная атмосфера все больше сказывалась на творческом существовании Театра.
Все труднее становилось дышать. Все труднее прорывалось на сцену новое, свежее. Театр по-прежнему пытался удержать культурную традицию, не позволял прерваться связи времен. Сделать это становилось все труднее. Но делать это было все более и более важно. С 1971-го по 1974-й театр вновь возглавлял К. Шах-Азизов, а с 1974-го по 1979-й художественным руководителем был Владимир Валентинович Кузьмин.
Светлые, чистые люди, работавшие в этом здании, всеми силами души противостояли парадности, утвердившейся, как везде, и в этих стенах. Театр, в меру возможностей, пытался сохранить верность традициям высокой культуры. Это и помогло ему, в конечном счете, выстоять. В конце 1970-х, после смерти К. Он прекрасно сохранил и продолжил традиции Центрального детского... Соловейчика постановка А. Горького режиссер В.
Фадеева режиссер П. Гоголя режиссер В. Каца режиссер С. Панчева режиссер Л. Но это было уже позже, в 80-е годы... Вместе с ним приезжает его команда - режиссер Елена Долгина сегодня помощник худрука по творческим вопросам и Станислав Бенедиктов, талантливый художник и сценограф, постоянный соавтор спектаклей Бородина, с 1985 года - главный художник театра. Два года спустя она будет удостоена Государственной премии.
Одновременно пьесой Островского "Бедность не порок" открывается Маленькая сцена. Алексей Бородин назовет его "Чайкой" своего театра.
Русский театральный первенец: история Александринского театра
Если вы любите театр, его атмосферу, его запах и вид, если вы хотите знать о нём больше и хоть раз задавались вопросом “как выглядят традиционные спектакли в других странах?”, то этот курс для вас. первыми театральными педагогами были Сергей Григорьевич Розанов и Елена Дмитриевна Волкова. Театр эпохи Ренессанса родился в Италии, где дольше, чем в других странах, существовала литургическая драма и относительно поздно, лишь в середине XV века, появился итальянский аналог мистерий — rapresentazioni sacre[17]. И только через 14 лет, после триумфа на сцене театра эстрады оперы «Морозко», в 1979 году у театра появилось собственное новое здание на проспекте Вернадского, которое назвали «восьмым чудом света».
Когда возник первый театр?
Как на Руси зарождалось театральное искусство. Как повлияло развитие христианства на театр в Средние века и когда возник прототип современной коробки сцены. отмечать событие предложили 60 лет назад, и это стало доброй традицией. Годом рождения театра считается 534 год до н.э. Конечно, представления и костюмированные празднества были и до этого, даже у древнейших людей, но театром их считать было нельзя. Первый публичный театр в России, он заслужил право называться отцом русского театра. Когда театр вошел в нашу литературу?
день в истории
Бахрушина, с искренней влюбленностью в артефакты, эту историю систематизировала и вместе с художником Диной Васильевой подготовила иллюстрированное и хорошо прокомментированное издание. Из него можно, например, узнать, что члены императорской семьи предпочитали программки не напечатанные, а рукописные. Что афиши для придворных представлений не создавались - они им в принципе были не нужны кого им туда приглашать?.. Что постоянной на петербургских афишах в первой половине XIX века была информация, связанная с запретом городских властей давать спектакли при температуре ниже 17 градусов мороза: "NB.
Если в 4 часа пополудни стужа увеличится свыше 17 градусов, то играно не будет"...
Площадка оборудована по последнему слову техники и может трансформироваться в зависимости от желаний режиссеров. Но если балет в Советском Союзе был предметом официальной гордости, то драматический театр после семи лет застоя расцвел именно при Хрущеве. Сам он, будучи Первым секретарем ЦК КПСС, театры посещал редко, однако выйдя на пенсию, стал бывать там чаще, в том числе и в «Современнике», родном и самом ярком детище «оттепели». Впоследствии в своих мемуарах Хрущев сам написал, что театр в Советском Союзе оставался своеобразным продолжением политической арены.
Хрущев также вспоминал, что Сталин нередко любил в театральной ложе обсуждать насущные для столицы вопросы. При Хрущеве послабления все-таки стали допускать — хотя бы отказались от практики обязательных постановок пьес, написанных по госзаказу. С другой стороны, некоторые вещи старались сильно не популяризировать. Но всходы «оттепели» ждать себя не заставили. В 1956 году группа молодых актеров, в какой-то степени, в хорошем смысле этого слова, идеалистов, объявили о рождении нового театра.
Борцы за возрождение лучших мхатовских традиций взяли для нового театра бьющее яркое название — «Современник» и поставили первой пьесу «Вечно живые» Розова о недавней войне. Через несколько лет была еще одна громкая премьера — «Голый король» Евгения Шварца. Пьесы Шварца в эти годы вообще были нарасхват. Поставили его «Обыкновенное чудо», а уже после смерти драматурга в Ленинградском театре комедии Николай Акимов выпустил «Дракона», который при Сталине так и не смог выйти. МХАТ был в глубоком кризисе, оттуда ушла Кнебель, там ставились пьесы Сурова, который позже скандально прославился тем, что за него писали «негры».
Сначала они назывались «Студией молодых артистов» и «Студией актеров Художественного театра», подчеркивая преемственность мхатовских традиций. А потом Солодовников, директор Художественного театра, предложил им помощь, но попросил назвать новый театр «Современником», предлагая некую отсылку к журналу 60-х годов XIX века, который издавал Некрасов. Олег Ефремов сомневался: все-таки театр еще никак себя не проявил, поэтому такое громкое название казалось нахальством, но в итоге согласился с Солодовниковым. Вокруг их второй громкой премьеры «Голый король» было много слухов, в том числе и слух, что под королем в спектакле подразумевался сам Хрущев. Но игравший эту роль Евстигнеев всегда это отрицал.
К тому же в пьесе высмеивался не король, а его льстивое окружение. Единственной пьесой, в которой действительно подразумевался Хрущев, была пьеса Зорина «Римская комедия», сочиненная под занавес «оттепели». Ее герои — император Рима и два писателя — негодяй по имени Сервилий и честный Дион, которого на вахтанговской сцене играл молодой Ульянов, а в БДТ — Юрский. Это была смешная, фельетонная пьеса про взаимоотношения власти и культуры.
Белкин: Коpотко изложим pазличные веpсии пpоисхождения слова "скомоpох". В pyсской доpеволюционной наyке каждый, кто писал о скомоpохах, считал своим долгом высказаться и о пpоисхождении слова. Только И. Беляев отказался от этого, заявив, что оставляет pешение задачи филологам. Сyществyет не менее 20 попыток объяснить этимологию нашего слова. Остановимся только на самых значительных.
Шафаpикy 30-е годы XIX в. Он считал скомоpохов потомками скамаpов -- кочевого наpода, жившего на Дyнае еще в V в. Алексей Веселовский благосклонно отнесся к такомy объяснению. Hо yже Александp Веселовский в "Разысканиях... Пpимеpно в те же годы академик Я. Затем Е. Полyчается -- "начальник смехотвоpства" или даже "мастеp смехотвоpства".
Эпоху Возрождения называют так отчасти потому, что в это время начали возрождаться культурные постулаты античности Появление театра в России На Руси театр изначально был связан с язычеством — например, с обрядами на обильный урожай или свадебными церемониями. Позже народ стали развлекать скоморохи. С принятием христианства церковь выступила резко против представлений скоморохов и других народных увеселений. Однако этот вид искусства просуществовал еще очень долго — расцвет скоморошества пришелся на времена Ивана Грозного. Тех, кто привечал гусляров, домристов и других артистов, били палками. Фото: Ю. В 1672 году боярин Артамон Матвеев показал царю первый спектакль «Артаксерксово действо» по библейской Книге Есфирь. При Петре I в России появился первый публичный театр, известный как «комедиальная хоромина» «комедийная храмина» В период правления Елизаветы Петровны российский театр стал неотъемлемой частью светского общества. В 1750 году в Ярославле открылся первый в стране общедоступный театр под руководством актера и режиссера Федора Волкова. В 1756 году первый постоянно действующий театр, который могли посетить все желающие, открылся уже в столице Российской империи, Санкт-Петербурге. Представления пользовались большой популярностью, и билеты на спектакли практически сразу раскупали. Однако можно сказать, что своего расцвета театральная деятельность в России достигла ближе к XX веку. Станиславский разработал свою знаменитую систему актерского мастерства, которая стала основой современного обучения артистов по всему миру На сцене МХТ ставили пьесы Антона Чехова «Чайка», «Дядя Ваня», «Три сестры», «Вишневый сад», и Максима Горького «Мещане», «На дне». Кстати, племянник Антона Чехова и ученик Станиславского Михаил Чехов в начале XX века создал свою систему актерского мастерства, во многом оспорив методы своего учителя. Считается, что по системе Чехова актерскому мастерству обучалась известная актриса Мэрилин Монро. Сегодня это крупнейшая в мире неправительственная организация, деятельность которой направлена на поддержку исполнительского искусства. В 1959 году в состав МИТ вошел и Советский Союз, после того как в Москве был создан Национальный центр организации С тех пор этот праздник ежегодно отмечают все причастные к театру: актеры, режиссеры, продюсеры, осветители, звукоинженеры, монтировщики декораций, костюмеры, а также билетеры и гардеробщики. Кстати, помимо Международного дня театра, праздновать который могут все причастные к этому виду искусства, некоторые связанные с театром работники имеют свои профессиональные праздники. Праздники, похожие на День театра: День театрального кассира: он отмечается ежегодно в России в первый понедельник марта. В 2024 году свой праздник кассиры театров отметили 4 марта. Международный день театра кукол, также известный как День кукольника, отмечается 21 марта. День работников культуры ежегодно отмечается 25 марта. Как отмечают День театра Ежегодно мировые деятели культуры поздравляют всех работников театров с профессиональным праздником. Такая традиция сложилась практически сразу после учреждения праздника: первое международное послание было написано французским писателем и художником Жаном Кокто в 1962 году.
История Императорских театров
Адрес: редакции 656056, Алтайский край, г. Барнаул, ул. Короленко, д. Доменное имя сайта в информационно — телекоммуникационной сети "Интернет" для сетевого издания : tolknews.
После печально известного пожара в Большом театре в 1811 году зодчий де Томон выдвинул предложение перестроить здание, но этому помешала война с Наполеоном. Театр Казасси. Над созданием проекта прославленный архитектор Карл Росси трудился 11 лет. Окончательный вариант утвердили лишь в 1828 году, на следующий же день создали комиссию «для построения каменного театра и позади оного двух корпусов» и сразу приступили к постройке. В 1832 на месте старого «Малого» открылся новый театр, прекрасный образец стиля ампир, царившего в те времена в архитектуре. Под сенью муз Особенностью здания являются металлические перекрытия, на которых настоял лично Росси. У императора Николая I возникали сомнения по поводу прочности таких конструкций, но архитектору удалось доказать свою правоту. Фасад театра украшен многоколонной лоджией, боковые фасады — восьмиколонными портиками.
В нишах установлены гипсовые скульптуры муз Талии покровительница комедии , Мельпомены покровительница трагедии , Клио покровительница истории и Терпсихоры покровительница танца. Где музы — там и Аполлон, без него не обошлось и в этот раз. Венчает фасад здания квадрига бога Аполлона работы Василия Демута-Малиновского , что роднит Александринский с Большим театром в Москве.
Для актеров были сделаны деревянные подмостки, которые, однако, были позднее заменены более удобную арену. Участники состязаний показывали свои выступления на сцене, окруженной низкой стенкой, благодаря которой можно было спрятать пока ненужный реквизит и декорации. Для выступающих была предусмотрена и палатка, где можно было переодеться. Так как праздник был посвящен Дионису, нет ничего удивительного, что в центре площадки стоял жертвенник богу, и все действие разворачивалось вокруг него. Чуть позже древнегреческий театр изменился. Зрители, наконец, смогли занять «настоящие» места — для них были сооружены сидения из мрамора для почетных гостей и из камня для зрителей попроще. Среди зрительских мест располагались резонирующие сосуды, обеспечивавшие усиление звука. В Риме первый каменный театр появился только в 55 году до н. До этого актеры и зрители довольствовались лишь временными деревянными постройками.
Через пять месяцев театр был построен и стал называться «Петровским», так как выходил фасадом на улицу Петровка. Петровский театр был торжественно открыт 30 декабря 1780 г. Первоначально труппа Медокса в Петровском театре была невелика и состояла из 13 актеров, 9 актрис, 4 танцовщиц, 3 танцоров с балетмейстером и 13 музыкантов. Труппа Петровского театра отличалась высокими профессиональными качествами. Репертуар был передовым для своего времени. Но самым важным событием было создание и постановка комедии Фонвизина «Недоросль». Цензура долго не пропускала пьесу, и театру пришлось приложить много сил, чтобы добиться ее постановки. Но финансовое положение Медокса было затруднительным: долги его росли, и ему пришлось объявить себя банкротом и передать свой театр в полную волю и управление Воспитательному дому. Столичная антреприза была непосильна для небогатого предпринимателя без посторонних пособий. В 1805 году последовал Высочайший Указ о погашении из средств Воспитательного дома долгов Медокса, а ему была назначена пожизненная пенсия. Созданный как самостоятельное учреждение, русский театр был передан в 1759 г. Главный директор Императорских театров в Петербурге, А. Нарышкин, 29 декабря 1805 г. Последовало Высочайшее соизволение Императора Александра I. В 1806 г. В 1809 г. В Москве 22 октября 1805 г. Труппа продолжала давать свои спектакли в доме Волконского на Самотеке и в доме Пашкова на Моховой до 1806 г. Значительная часть труппы состояла из крепостных людей А. Первый спектакль русской труппы Императорского Московского театра состоялся 11 апреля 1806 г. В то же время было начато сооружение по проекту архитектора Росси деревянного театра на Арбатской площади, который открылся в апреле 1808 года. По красоте новое здание превосходило все существовавшие театральные здания в Москве. Арбатский театр был открыт 13 апреля 1808 года, но не стал для русского театра родным, так как в нём устраивались маскарады и концерты, и шли спектакли других трупп Москвы. В 1812 г. Артисты «до самого почти входа неприятеля в Москву были удержаны службой в оной для театральных представлений, которые продолжать настоял бывший тогда главнокомандующий Москвы граф Ф. Уволены же они были от должностей и получили разрешение на выезд из Москвы почти накануне сдачи оной неприятелю, следовательно, в такое время, в которое нельзя было приобрести ни наймом, ни покупкой лошадей для выезда, а при том и дирекция не могла снабдить их подводами. А потому они были в необходимости, бросивши все свое имущество, спасать уже одну только жизнь». Много испытаний выпало на долю московских артистов. Они долго скитались, пока костромской губернатор не предложил им место в городке Плесе. По распоряжению театрального начальства была нанята до города Плеса барка, в которой поместился весь театральный обоз с театральной конторою, гардеробом, нотною и драматическою библиотекою, артистами и воспитанниками театрального училища. Московская жизнь стала приходить в норму только к середине 1813 г. Управляющий московскими театрами А. Майков решил вместо театра Пашковского временно обратить в публичный театр сцену театральной школы, которая находилась в доме С. Апраксина на Знаменке. Самым острым вопросом в это время был вопрос о самом помещении театра. Шли долгие переговоры с Пашковым, и вопрос о новом помещении затянулся на два года. Майков тотчас приступил к решению вопроса о перестройке здания Пашковского театра театра на Моховой. Открытие этого театра состоялось 25 августа 1818 г.
История детского театра
Новые технические тенденции требуют своего практического воплощения, углубляется специализация и растет разнообразие новых театральных профессий: машинисты сцены, декораторы, акустики, художники-оформители, осветители и художники по свету и т. Произошли кардинальные изменения и в организации театральных зрелищ: в эпоху Возрождения перед театром впервые в истории остро встала проблема конкурентной борьбы за зрителя. Когда в античном полисе существует одно грандиозное театральное здание, у зрителя нет выбора, куда идти смотреть спектакль. Если в средневековом городе играется мистерия, то альтернативы этому зрелищу опять же нет. О зачатках конкуренции можно говорить разве что применительно к странствующим комедиантам, однако в этом случае существовал скорее коммерческий риск: при оплате «по факту» т. Но здесь не было однозначной увязки с показами предыдущих трупп: дескать, одно представление понравилось — актерам заплатили, другое не понравилось — не заплатили. Мотивации зрителей в данном случае гораздо более многофакторны.
Но когда в городе одновременно существует несколько театральных зданий, в том числе оперное, а на площади в то же время показывает свое представление труппа странствующих комедиантов, у потенциальных зрителей возникает реальная альтернатива выбора, они, что называется, «голосуют ногами». Эта конкуренция во многом обусловила разнообразие жанров и видов театрального искусства в эпоху Ренессанса, стремящегося удовлетворить запросы разных категорий зрителей. Так, в Италии наибольшим успехом пользовалось молодое оперное искусство и площадной импровизационный театр масок комедия дель арте. В Англии один за другим открывались публичные общедоступные драматические театры «Глобус», «Куртина», «Роза», «Лебедь», «Фортуна» и др. В Испании продолжают пользоваться огромным успехом представления религиозного театра — auto sacramental здесь после победы Реконкисты и установившегося владычества католической церкви, монополию на театральные представления получили церковные братства , однако в публичных театрах, корралях , широко шли спектакли и народно-демократического направления. В Германии активно развивались искусства мейстерзингеров — фастнахтшпили масленичные представления и фарсы.
При этом в Европе отчетливо ощущались признаки географической интеграции и взаимовлияния театрального искусства разных стран: растущая конкурентная борьба за зрителя обусловила широкую «гастрольную» практику мобильных актерских трупп преимущественно итальянских и английских. В определенном смысле театр в эпоху Возрождения достиг пика своего развития, освоив практически все возможные жанры, виды и направления. Тогда же сформировались и два основных типа организации театров. Если пользоваться современной терминологией, то их можно определить как репертуарный театр когда более или менее стабильная актерская труппа ставит спектакли по произведениям разных драматургов и антреприза когда под определенный театральный проект специально собираются различные специалисты — эта традиция идет от постановок мистерий. Далее, практически до конца 19 в. А конец 19 в.
Поначалу кинематограф, а позднее и телевидение, были признаны не просто конкурентами театра, но даже его «могильщиками». От новых открывающихся перспектив захватывало дух: лучшие образцы зрелищного искусства могут быть растиражированы, они становятся доступными каждому. Более того, фильмы можно пересматривать сколько угодно раз, их качество остается неизменным. В этом эйфорическом отношении к новому искусству как-то забылась главная особенность театра — активное взаимодействие со зрительным залом, эта особенность стала казаться несущественной. Однако театр не сдался, именно конец 19 — начало 20 вв. И видимо, не случайно в это время появилась новая театральная профессия, ставшая сегодня в театре основной, — профессия режиссера.
Если театр всех прошлых веков с полным основанием можно назвать актерским театром, то с началом 20 в. Возникает принципиально новая концепция театрального искусства: простая «техническая» организация театрального зрелища в рамках любой из театральных традиций отнюдь не исчерпывает возможностей эмоционального воздействия на зрителей. Недостаточно профессионального исполнения каждого отдельного компонента спектакля актерские работы, сценическое оформление, шумовые или световые эффекты и т. Тогда эмоциональное воздействие возрастает в разы, не сводясь к простой сумме впечатлений от каждого компонента, но умножая и обогащая общее восприятие. В противном же случае спектакль может «распасться» на составные части, возможно, достойные сами по себе, но противоречащие друг другу. В теорию и практику театра вошли новые базовые понятия: общая концепция спектакля, сверхзадача, сквозное действие, актерский ансамбль, режиссерское решение и т.
Новая концепция театра оказалась не просто жизнеспособной, но чрезвычайно плодотворной применительно ко всем эстетическим направлениям. Особенно ярко это можно видеть на примере двух альтернативных театральных систем, активно развивавшихся в России в начале 20 в. Станиславского и условного театра В. При всей разности и даже полярности эстетических принципов, мощное определяющее режиссерское начало практически превратило эти системы в основополагающие для современного театра. Более того, режиссура вывела на новый этап и актерское искусство, заложив новые принципы актерского существования на сцене и обучения актерскому мастерству. При всем огромном разнообразии технологических и эстетических подходов к творчеству актера школа переживания К.
Станиславского; «сверхмарионетка» Г. Крэга ; принцип биомеханики В. Мейерхольда; принцип «отстранения» Б. Брехта и т. И здесь возникает интереснейший парадокс: именно это, казалось бы, «умаление» значимости актера и принципиальное «встраивание» его работы в общую концепцию спектакля приводит к наиболее мощным и значимым актерским работам. Похоже, что режиссерский театр представляет собой оптимальный путь к возвращению сакральности театрального действа.
Новая концепция режиссерского театра оказала принципиальное влияние и на кинематограф: очень скоро фигура режиссера кино из простого организатора съемочного процесса превратилась в главного автора фильма. Однако сразу после Октябрьской революции, в ноябре 1917, декретом Совета Народный Комиссаров все российские театры были переданы в ведение отдела искусств Государственной комиссии по просвещению, а в 1919 был подписан декрет Об объединении театрального дела, провозгласивший национализацию театров. Все последствия новой театральной системы стали ясны далеко не сразу во многом из-за того, что у молодой власти было много других более важных дел — гражданская война, разруха, голод — и до искусства, в том числе театрального, руки дошли не сразу. Поэтому 1920-е остались в истории советского театра временем смелых и разнообразных экспериментов. Один за другим появлялись яркие режиссерские имена, спектакли, театры. Трудно представить, что в один короткий исторический период одновременно создавались спектакли-шедевры таких разных режиссеров, как К.
Станиславский, В. Мейерхольд, А. Таиров , Е. Вахтангов , С. Однако к 1930-м начал усиливаться идеологический диктат в области искусства. Был провозглашен единственно «правильный» художественный метод — социалистический реализм.
К концу 1940-х всеми театрами на деле стало руководить государство. Система цензуры создавала советским театрам множество трудностей: процветали принципы унификации и единообразия, живого звучания тех или иных спектаклей удавалось достичь не благодаря, а вопреки существовавшей системе управления и контроля. Однако в трудном художественном бытие советских театров был большой коммерческий плюс: финансирование постановок а также фестивалей, смотров и других театральных мероприятий осуществлялось государством; существование театров не увязывалось впрямую с доходностью его спектаклей. Коммерческий успех театральных спектаклей был желательным, но не обязательным условием существования театральных коллективов. За невыполнение финансового плана ругали и объявляли выговоры, но не снимали с работы. Распад СССР и смена экономической формации привело российские театры к прогнозируемому результату: исчезновение контроля обусловило и резкое сокращение а то — и исчезновение финансирования.
Вожделенная идеологическая и эстетическая свобода театральных коллективов оказалась в принципе недостижимой: организация постановочного процесса и проката спектаклей — дело чрезвычайно затратное, требующее больших финансовых вложений даже в тех случаях, когда спектакль в итоге окупается. Если добавить к этому расходы на содержание театрального здания, необходимую периодическую модернизацию оборудования, организацию гастролей, рекламу, да и просто заработную плату многочисленных сотрудников театра, то сумма получается весьма существенная. Театральные коллективы самых разных типов традиционные репертуарные театры, возникающие с 1990-х студийные и антрепризные вынуждены искать способы финансирования своей работы, что, собственно, неизбежно означает ту или иную степень нового контроля — уже со стороны спонсора. Российские театры за сравнительно редкими исключениями, когда художественный руководитель, оказавшись одновременно и талантливым театральным менеджером, сумел вписаться в ситуацию рыночной экономики вновь оказались в кризисной ситуации, но уже по причинам не идеологическим, а материальным.
Именно тут кроется ответ на вопрос, какой театр появился первым. Настоящий первый театр появился в древней Греции В середине пятого века афинским поэтом Феспидом было принято решение приставить к распевающим песни людям помощника-декламатора, вступавшего в переговоры с сатирами, объяснявшего их поведение, изображавшего персонажей древних сказаний. Некоторое время спустя количество гипокритов, участвовавших в хоре, увеличилось до трех.
Так именовали театральных комментаторов, которые вели диалог на сцене. В античный период на сцене разыгрывались исключительно драматические и комедийные представления, имевшие исторический, мифологический или религиозный смысл. Лицедеи пользовались гиперболическими масками и высокими ботинками-котурнами, создавая атмосферу величественного действа, в котором участвовали персонажи и Боги.
Этот стилистически нейтральный текст способен вернуть зрителя из любой художественной реальности обратно в концлагерь, что демонстрирует современный французский режиссер Николя Клоц в фильме Человеческий фактор 2007 , где письмо о газовых грузовиках дословно и полностью звучит из уст актера Матье Амальрика.
Борис Зингерман в статье О документальной драме вспоминает понятие «лирический документ», введенное идеологом итальянского неореализма Чезаре Дзаваттини. Не только разрушенные студии и недостаток пленки, но и общее ощущение «невозможности поэзии после Освенцима» заставило неореалистов присматриваться к простому человеку документальными средствами натурные съемки, непрофессиональные актеры. Неореализм, возникший сразу после войны среди руин итальянских городов, во многом внутренне связан с появившейся позже немецкой документальной драмой. Вспомним реконструкцию суда над Сакко и Ванцетти фильм Джулиано Монтальдо 1971 г.
Зингерман формулирует два основных направления развития документальной драмы: один тяготеет к объективному расследованию, другой — к лирической исповеди. Документальная драма постепенно смещалась от первого ко второму. Вербатим в Америке: от громких дел к life writing Традицию театральной документалистики в США, начатую Живой газетой, продолжает ряд пьес, поднимающих проблемы расовой дискриминации, жизни белых протестантов англосаксонского происхождения WASP не фоне остальных национальных и религиозных групп, сексуальных и политических меньшинств. Показательна пьеса В белой Америке 1963 доктора исторических наук и признанного в академических кругах активиста гей-движения, обладателя Пулитцеровской премии Мартина Дубермана.
Почти все пьесы, о которых пойдет речь ниже, шли off-Broadway и были в той или иной документальной или художественной форме экранизированы. Влияние немецкой традиции заметно в пьесе театрального теоретика Эрика Бентли Состоите ли вы или были когда-нибудь Are you now or have you ever been, 1972 : это монтаж допросов голливудских актеров, режиссеров и продюсеров комитетом по антиамериканской деятельности сам заголовок отсылает к типичному вопросу о принадлежности подозреваемых к левым организациям. Католический священник Дениэл Берриган описывает методом немецкой документальной драмы собственный опыт. В мае 1968 г.
Будучи приговоренным к штрафу и тюремному заключению, он собрал из протоколов суда100-страничнуюпьесу Суд над кантонсвилльской девяткой с посвящением Петеру Вайсу. Документальные пьесы разыгрывались в школах и любительских театрах, но часто оказывались и на большой сцене. И даже в том случае, когда эстетическую ценность спектакля можно было подвергнуть сомнению, его эффективность в качестве средства выражения политической позиции оставляла ему право на существование. Проделанная театром социальная работа не осталась без последствий.
Символично, что в 1973 г. Драматург-документалист Эмили Манн пьесой Казнь справедливости 1986 открыла мировому кинематографу сюжет убийства мэра Сан-Франциско Джорджа Москоне и первого открытого гея-политика Харви Милка героя недавнего фильма Гаса Ван Сента. В пьесе были использованы интервью и протоколы суда. Еще один ветеран американского вербатима, актриса и драматург Анна Дейвер-Смит в начале1980-хстала собирать материал на тему американской национальной идентичности, гражданских прав и свобод, прав женщин.
На заре карьеры она исполняла свои пьесы соло one-person show. В 1992 г. А парадоксальный вербатим ее ученицы Алеки Блайт оказался настолько удачным, что попал на сцену Роял Корт и был превращен в фильм Стивена Содерберга Девушка по вызову Girlfriend Experience, 2009 , в котором экономическая и политическая ситуация в Америке накануне выборов анализировалась через опыт элитной проститутки. У Tectonic Theatre Project есть вербатим основателя группы Моисеса Кауфмана Проект Ларами об убийстве на почве гомофобии студента университета Вайоминга, а также моноспектакль по пьесе Дуга Райта, смонтированной из интервью с Шарлоттой фон Мальсдорф — пожилым берлинским трансвеститом, пережившим и Третий Рейх, и ГДР.
Первый из них — Секс и смерть к 14 годам — появился в 1979 г. Плавание в Камбоджу 1983 , в котором Грей, сидя за столом с микрофоном и стаканом воды, удивляет зрителей мастерством сторителлинга, было задокументировано Джонатаном Демме. Иногда это похоже на дневник путешественника, иногда на остроумную лекцию о Пол Поте. Анатомия Грея подверглась художественной обработке Стивеном Содербергом.
А уже после самоубийства Грея Содерберг снял о нем еще один фильм — Все в порядке And Everything is Going Fine , в котором рассказы героя о страхе суицида воспринимаются как автокомментарий к собственной смерти. Продолжение немецкой истории: неигровое пространство Интерес к документальной драме в Германии возобновляется после падения Стены. Но акцент смещается с текста на его представление. В нем публика проходит три разных комнаты.
В первой два актера за столом разыгрывают допрос по тексту Киппхардта, во второй зритель слышит голоса этих актеров в абсолютной темноте, в третьей видит документальные кадры суда над Адольфом Эйхманом, где произносятся все те же слова. Режиссера интересует восприятие факта, переданного с помощью разных медиа. Другие его спектакли посвящены более современным политическим проблемам: Смертельная битва: Материалы Косово Mortal Combat: The Kosovo Files, 2000 — войне в Югославии, Primetime 2003 — палестинским террористамкамикадзе. В интервью Крезингер говорит, что в пьесах60-хего смущает сильно ощутимое присутствие автора, а в своих спектаклях он всегда пытается представить полярные точки зрения на предмет.
Осмыслением возможностей неигрового пространства также занимаются Роланд Брус, Крис Кондер, Патрик фон Блюме, Андерс Ваэль и ставшая одним из главных театральных открытий последнего десятилетия группа Римини Протокол, метод которой требует отдельного серьезного исследования. Открытые вопросы Даже конспективная история документальности позволяет заметить, что всплески интереса к ней возникают после глобальных социальных потрясений мировые войны, геноцид , шоковое воздействие которых ставит под сомнение возможности чисто художественного осмысления сути и последствий событий понятно, что вопрос «поэзии после Освенцима» относится не только к поэзии и не только к Освенциму. Тем любопытнее, что последняя по времени документальная волна приходится не на очередную всемирную катастрофу, а на формальную смену веков. Документалистика по-прежнему эффективно работает в зоне локальных войн Ирак, Афганистан , но центр ее интереса смещен в сторону конфликтов другого рода — поколенческих, цивилизационных, информационных.
Точнее, о центре говорить больше не приходится — он расфокусирован. Сегодня документалистика — инструмент, который позволяет быстрее других художественных методов находить горячие точки повседневной реальности и создавать вокруг них поле первоначальной рефлексии. Возможно, новый тектонический сдвиг, провоцирующий интерес к документальности, связан как раз с изменением скоростей: сегодняшний документалист работает отчасти как художник, использующий ready made, только указывает не на готовый объект, а на факт, выбирая его из огромного массива информации. С этим связан парадокс: документалистика, по природе своей объективная, все чаще тяготеет к субъективности, заменяя патетику лирикой, а обобщение — личным опытом.
Кроме этого, на границе игры и реальности возникают новые жанры, такие, как mockumentary чистый вымысел, оформленный как документальное свидетельство. А доступность современной съемочной техники практически обессмысливает традиционное разделение на документальный театр и документальное кино первый часто оказывается материалом для второго — и, разумеется, новый виток интереса к документальности спровоцирован новыми медиа так же, как документальный театр 1920-х был спровоцирован появлением нового вида искусства — кинематографа. Но все это уже предмет следующего большого разговора. Вернее, множества разговоров: каждый из затронутых в этой ретроспекции вопросов требует отдельного развития, как на интернетфорумах, тянет за собой целую ветку дискуссии, норовит разрастись до самостоятельной статьи.
Все это страшно увлекательно и настолько актуально, что точку в конце текста хочется заменить запятой. Так и сделаем,.
Основным «двигателем» новых идей стал А. Островский, который был назначен заведующим репертуаром московских Императорских театров. Им был разработан целый блок реформ: упразднялась система амплуа; открывались частные театры в Москве, Санкт-Петербурге и провинциальных городах Стал издаваться с 1892 года «Ежегодник Императорских театров» Но даже А. Островскому не удалось снять давление государственной цензуры с театрального репертуара. В 1898 году это попытался сделать режиссёр московского Малого театра А. Ленский, который открыл Новый Императорский театр. В нем выступали молодёжные труппы с новыми пьесами. Они старались уйти от шаблонов, навязанных государственной цензурой. Реформы А. Островского и новаторство А. Ленского стали последними преобразованиями в системе Императорских театров XIX века. И хотя они не добились главного, свободы творчества, их работа легла в основу созданного в 1898 году К. Станиславским и В. Немировичем-Данченко Московского художественного театра, с открытием которого началась новая эпоха. Люди, которые повлияли на театр Театральные персоналии Денис Фонвизин — гордость и слава русской драматургии Он увлечен идеями французских просветителей и выступает с острыми сатирическими произведениями. Считает, что правительство управляет страной при помощи кучки фаворитов, в сатирической комедии «Недоросль» он рисует эти образы. В 1783 г. Екатерина увольняет его со службы. Смешные комедии и знакомства «Бригадир» В 1766 г. Фонвизин выступает с первой оригинальной комедией «Бригадир», где высмеивается галломания. Прямого политического содержания автор в «Бригадира» еще не вкладывает. Его цели, главным образом, просветительные. И потому комедия без промедления появилась на сцене и имела успех. Вывод — опираться на дикую орду Простаковых—Скотининых не может просвещенное правительство, имеющее в виду настоящие государственные интересы. Но такого правительства нет, двор развращен, «болен неисцельно». А когда он начал служить в Петербурге, он сблизился с Сумароковым, Волковым, Дмитревским, с последним даже подружился. Михаил Щепкин: как крепостной стал звездой императорского театра Начало творческой карьеры Когда Мише было десять лет, отец Семён отправил его на обучение в уездное училище в городе Судже. Ему сильно повезло, что его хозяева были людьми, увлечёнными искусством, и устроили домашний театр. Миша Щепкин играл там на каникулах. Актёрская игра стала своеобразной формой высококвалифицированной работы «на оброк». Волькенштейны сдали 17-летнего Щепкина внаём в Курский городской театр братьев Барсовых. Там Щепкин играл, но основную часть актёрского заработка был вынужден уплачивать господам. На волю! Труппу в которой выступал Щепкин пригласили в Полтавский театр. Игра опытного актёра необычайно понравилась генерал-губернатору. Он решил сделать Щепкина ключевым лицом малороссийской сцены, но для этого его надо было выкупить из крепостной неволи. Престарелая графиня Волькенштейн решила нагреть на этом свои руки, но Репнин отнёсся с пониманием к такому желанию. Была дана серия спектаклей по подписке на выкуп Щепкина. Большую часть внёс из личных средств сам генерал-губернатор. В свои 33 года Щепкин получил свободу. Как видим, освобождение произошло без какого-либо пафоса и с помощью влиятельных людей. Чиновник ведомства Императорских театров В. Головин посетил выступление труппы Штейна, пришёл в восторг от игры Щепкина и рекомендовал его в Московский Малый театр. С тех пор и до конца жизни в 1863 году Щепкин был неразрывно связан с этим театром. Мысли Щепкина 1 Театр это храм, а ты в нем священнослужитель Свободу актера он допускал только до тех пор, пока позволяет это общая идея. Нельзя тянуть одеяло на себя. Чтоб не разрушить общей идеи. Это возможно, но трудно. Пример: вы играете пейзанку, а засмеялись, как Александра Ивановна. Вот и разрушили образ. Ну и дальше Станиславский, потом Вахтангов тоже иначе уже относились к образу. Но Щепкин начал это первый. Александр Грибоедов Вместе со своими друзьями, Грибоедов принимал участие в коллективном составлении пьес к бенефисам любимых артистов. Так появились его оригинальные пьесы «Молодые супруги» 1815 и «Проба интермедии» 1818 , а также написанные в соавторстве с Н. Хмельницким и А. Шаховским «Своя семья, или Замужняя невеста» 1817 , с А. Жандром «Притворная неверность» 1818 , с П. Катениным «Студент» 1817 , с П. Вяземским «Кто брат, кто сестра, или Обман за обманом» 1823—1824. Авторы довольно точно показывают нравы столичного общества и моделируют весьма характерную ситуацию, в которой невеста выказывает презрение нелепому герою, а в женихе предпочитает видеть трезвость рассудка и жизненную практичность. Грибоедов заканчивает Горе от ума в 1824 году, накануне восстания декабристов. Как будто уже предчувствуя эти настроения и перемены, Грибоедов совершил вполне дерзкий поступок.
Последние новости театров в России и мире
] Театр эпохи Ренессанса родился в Италии, где дольше, чем в других странах, существовала литургическая драма и относительно поздно, лишь в середине XV века, появился итальянский аналог мистерий — rapresentazioni sacre[17]. Очень скоро театр стал самым посещаемым в Петербурге. 12 сентября 1832 года постановкой драмы «Князь Пожарский» состоялось открытие нового театрального здания. Новости. Московский малый театр. Первый национальный постоянно действующий театр появился при императрице Елизавете Петровне в 1756 году в Санкт-Петербурге. Самый первый «государев» театр появился в Москве при Алексее Михайловиче в 1672 году, но он не просуществовал и пяти лет.
Эволюция сцены: от древнегреческих «Дионисий» до фестиваля «Tomorrowland»
Театр эпохи Ренессанса родился в Италии, где дольше, чем в других странах, существовала литургическая драма и относительно поздно, лишь в середине XV века, появился итальянский аналог мистерий — rapresentazioni sacre[17]. Началось деление театров по видам: на рубеже 16-17 вв. появилась опера, с середины 18 в. – балет, в 19 в. – оперетта. 27 марта Всемирный день театра отмечают режиссеры, драматурги, актеры, театральные критики, продюсеры.