И хотя картины «голубого периода» Пабло Пикассо сегодня гораздо более популярны среди широкой публики, его «розовый период» имеет большее историко-художественное значение. В «голубой» период (1902–1904) Пикассо переживал личные и финансовые трудности, его глубоко потрясло самоубийство Карлоса Касагемаса, что отразилось на его стиле. Самые известные картины Пикассо голубого периода включают «Голубую обнаженную», «Жизнь» и «Старый гитарист», все три из которых были завершены в 1903 году. Герои «голубого периода» Пикассо были сломлены, обессилены, одиноки и печальны. В его творчестве были розовый и голубой периоды, но в какой то момент на полотнах стала преобладать сочная зелень. На многих картинах Пикассо искусствоведы видят «русский след».
Пабло Пикассо. Голубой и розовый периоды.
В экспозиции представлено более 60-ти работ, которые отражают разные этапы творчества художника. Это авторские литографии с произведений живописи и графики художника, все они из частных коллекций ценителей искусства из Германии, Бельгии и Франции. Ранний период творчества Пикассо представлен серией «Голубой цвет Барселоны». Кубистический этап отражен в литографиях серии «Папье-Колле».
Проект формирует образ другой Испании — католической, сдержанной, временами мрачной и бедной, но преданной традициям и хранящей веру в идеал. Белый зал на втором этаже главного здания напоминает базилику: приглушенный свет, пурпурные стены, за рядами колонн — картины на библейские сюжеты и полотна с образами святых. В центре воображаемого алтаря — окруженная ангелами Дева Мария, героиня "Непорочного зачатия" 1645—1655 кисти Бартоломе Эстебана Мурильо. Этого художника называют последним большим мастером золотого века испанского искусства, который пришелся на XVI и на первую половину XVII столетия. Например, "Мальчик с собакой" встретился с "Девочкой с корзиной фруктов" — эти работы Мурильо написал примерно в одно и то же время, и они считаются парными, так как похожи по стилю и композиции. Однако в начале прошлого века их разъединили: произведения из собрания Эрмитажа передавали в коллекции других музеев, и "Девочка" переехала в Пушкинский. Кроме этой пары, на время выставки воссоединились и другие, среди них — "Натюрморт с поставцом" и "Натюрморт с часами" Антонио Переды.
Религиозную тематику в Белом зале поддерживают большинство работ: здесь можно рассмотреть выносной крест-распятие конца XIV века, расписанный деревянный бюст святой Кристины, которому уже около 500 лет. С полотна Эль Греко назидательно смотрит святой Бернард 1579 — у этой картины была непростая судьба, она сменила несколько владельцев, а в 1945 году была обнаружена советской трофейной бригадой в бункере Берлинской картинной галереи. Часто такие работы кажутся зрителям странными и тревожными. Как говорят организаторы выставки, их главная цель — познакомить зрителей с разными стилями и эволюцией испанской живописи.
И эти методы он и берет на вооружение — упрощает формы, придает предметам и изображениям монументализм, его персонажи отныне похожи на идолов, а штриховка, которую он использует, напоминает насечки на деревянных скульптурах африканцев. Его изображения становятся будто трехмерными. Шедевры этого периода — «Три фигуры под деревом», «Дриада».
Фото: Юлия Коршунова Аналитический кубизм 1909—1912 Этот период в творчестве Пикассо фантастическим образом изменил направление развития мирового искусства ХХ века. Философия этого периода такова: живопись способна не только показывать то, что может видеть глаз, но и раскрывать суть вещей, их идеи, глубинные смыслы. Цвет для понимания не нужен, он только мешает, поэтому особенность живописи этого периода — монохромность. Пикассо сосредоточился на объеме и форме предметов, а также отказывается от выделения и разделения вещей по фактурности и материалам. Есть ворсинки на ткани, нет их — это ничего не меняет, выписывать это не стоит, нет смысла, все сделано из одного и того же, реальность едина. Если посмотреть на картину «Девушка и мандолина», вы поймете принцип этого периода, не обнаружив разницы в материалах, из которых «сделаны» девушка и инструмент. Синтетический кубизм 1912—1917 Весной 1912 года Пикассо возвращается к цвету в работе «Воспоминания о Гавре».
Кубизм становится более оптимистичным и конкретным. Начинает появляться и изображение материала, возвращаются детали; Пикассо пишет на холсте буквы, а изображения в целом напоминают коллажи, художник даже вклеивает в картины «кусочки реальности», например почтовую марку. Создавая разнообразные декоративные коллажи, художник как бы «синтезировал» художественную реальность из символов реальности настоящей. Период классицизма 1917—1925 В это время Пикассо активно сотрудничал с Сергеем Дягилевым, его «Русскими балетами». Им были оформлены шесть балетных постановок! Он влюбится в русскую балерину Ольгу Хохлову, его увлечет реалистичность и античность. В этот период художник и пишет «узнаваемо», но все равно по-своему, создавая свою классику.
Период сюрреализма 1925—1937 Вы все поймете про этот период, посмотрев работы «Три танцовщицы» и «Поцелуй». Четкие грани изображаемого в сочетании с их абстракцией, узнаваемая, но препарированная реальность, контрастные цвета или игра черно- белым. Хорошее слово для определения этого периода — допустимость. Художник допускает многое — и в форме, и в цветопередаче. Непременно посмотрите картину «Спящая» и почувствуете, что главное слово для восприятия работ этого периода — ощущение.
Всплеск интереса к Эль Греко случился в начале ХХ века, когда Пабло Пикассо увлекся его творчеством, а так называемый «Голубой период» в творчестве Пикассо несет в себе огромное влияние предшественника. В экспозиции представлено около 40 сопоставлений полотен обоих мастеров, по словам куратора выставки Кармен Хименес, Эль Греко был не просто юношеским увлечением, а страстью Пикассо на всю жизнь.
Ранее считалось, что после 30-х годов ХХ века Пикассо полностью избавился от влияния Эль Греко на свое творчество, но эта выставка доказывает обратное — вплоть до позднего периода Пикассо раз за разом возвращался к работам «греческого испанца».
Другое измерение: 8 секретов «Авиньонских девиц» Пикассо
Однако специалист выразил свое восхищение новыми технологиями и отметил, что дальнейшие разработки в области машинного обучения и 3D-печати должны сделать такую работу более точной. Вернувшаяся к жизни картина Пикассо появится на выставке в Лондоне. Специалисты также выпустят цифровую копию картины, чтобы ее было можно выставлять онлайн или продать на цифровом аукционе в будущем. Вся команда проекта состоит из ученых и специалистов, работающих с искусственным интеллектом, а также экспертов по искусству, пишет CNN. Екатерина Гура.
Творец представил возлюбленную матери, которая сначала была встревожена его желанием связать себя узами брака с иностранкой. Однако изменила свое решение, когда художник нарисовал потрет Ольги в испанском наряде. В 1921 году Хохлова подарила супругу сына Пауло. В 1935 году Ольга узнала, что Пабло начал встречаться с 17-летней моделью и художницей Марией-Терезой Вальтер, которая ждала от него ребенка.
Хохлова забрала сына, переехала на юг Франции и подала на развод, однако так его и не получила. KZ Второй ребенок Пикассо девочка Майя появился на свет в 1935 году. Их роман был недолговечным, а в 1943 году в жизни Пабло появилась мемуаристка и художница Мари Франсуаза Жило. Официально они не состояли в браке, но в отношениях родились двое детей — сын Клод и дочь Палома. Не сумев свыкнуться с изменами и тяжелым характером творца, Жило ушла от него в 1953 году. В этом же году судьба свела художника с новой музой. Кто супруга Пабло Пикассо? Его женой стала Жаклин Рок. Когда первая супруга Пабло Ольга Хохлова умерла, он смог законно вступить в новый брак.
Общих детей у них не было, но Пикассо воспитывал приемную дочь Катрин Ютен-Бле как свою. Она и стала его наследницей. Гений умер на своей вилле Нотр-Дам-де-Ви из-за остановки сердца на фоне воспаления легких. Творчество Пикассо Как принято в Испании, Пабло получил две фамилии по первым фамилиям родителей: по матери — Пикассо, по отцу — Бласко.
Женщина со скрещенными руками, 1901 4. Синяя комната, 1901 5.
Девушки в кафе, 1902 6. Старый еврей с мальчиком, 1903 Поговорим о первых творческих поисках Пикассо. Начнем с «голубого» периода 1901—1904 годов, который начался после возвращения художника из Парижа в Барселону. В это время Пикассо использует разные оттенки голубого и синего. Это делает сюжеты картин более притчевыми, касающимися глобальных и вечных вопросов. Позже это подхватили символисты в конце 19 века — Пикассо во многом наследует им.
Герои Пикассо часто сидят в углу, они одиноки, печальны — это чувствуется не через их мимику, а через саму атмосферу синего цвета. В картинах «Девочка с голубем», «Старый еврей с мальчиком» герои не могут защитить друг друга. Они символизируют хрупкий мир, каким его видели в начале 20 века, в преддверие Первой мировой войны. Ему интересны такие персонажи не только как герои картины, но как герои самой жизни. Пабло Пикассо 1.
На тот момент Пикассо даже не было 19 лет.
Касагемас страдал из-за неразделенной любви и решил совершить самоубийство — он выстрелил себе в висок в кафе «Ипподром». Именно смерть друга стала для художника триггером, после которого начался «голубой период». Пикассо говорил: «Я начал писать синим, когда узнал о смерти Касагемаса». Стоит отметить, что художник был в Мадриде, когда его друг совершил самоубийство. Позже он приехал обратно в Париж и снял комнату, в которой провел свои последние дни Карлос. Старики, нищие и калеки Началом «голубого периода» считают картину «Портрет Хайме Себартеса».
Себартес, посмотрев на эту работу, сказал, что Пикассо изобразил весь спектр его одиночества. Герои на картинах печальны, в их образах чувствуются меланхолия и депрессия. Пикассо находит натурщиков в больницах, приютах, психиатрических лечебницах. Он изображает на полотнах людей, выброшенных обществом: калек, стариков, нищих.
Одиннадцать «лиц» Пабло Пикассо: как и чем характеризуются разные периоды творчества художника
Новости и СМИ. Обучение. "Голубой период", пожалуй, первый этап в творчестве Пикассо, применительно к которому можно говорить об индивидуальности мастера: несмотря на все еще звучащие ноты влияний, мы уже имеем дело с проявлением истинной его индивидуальности. Драматическому упадку жизни вместе с «Голубым периодом» пришел конец, когда Пикассо встретил Фернанду Оливье, свою натурщицу и возлюбленную, и решился на окончательный переезд в Париж. "Голубой период", пожалуй, первый этап в творчестве Пикассо, применительно к которому можно говорить об индивидуальности мастера: несмотря на все еще звучащие ноты влияний, мы уже имеем дело с проявлением истинной его индивидуальности. Работы голубого периода Пикассо Пол Смит разместил в зале, который залил синим светом. Этот автопортрет художник написал в 1901 году, находясь в глубокой депрессии из-за самоубийства Карлоса Касагемаса, с которым снимал студию на Монмартре.
Пабло Пикассо. «Голубой» и «розовый» периоды.
Согласно недавнему исследованию Кэтрин Грэдди, профессора экономики Университета Брандейса в Массачусетсе, подобный подход, очевидно, заблуждение. В результате исследователь обнаружила, что работы, созданные художниками в течение года со дня смерти любимого человека, на аукционах стоят значительно дешевле, чем творения тех же авторов, появившиеся в более спокойные периоды жизни. Более того, картин, написанных художниками в первые два года после какой бы то ни было тяжелой утраты, не так уж много.
Эта огромная почти восемь метров в длину и три с половиной в высоту монохромная черный, белый, серый картина была впервые выставлена в республиканском павильоне Испании на Всемирной выставке в Париже. Однажды гестапо устроило обыск в доме Пикассо. Нацистский офицер, увидев на столе фотографию "Герники", спросил: "Это вы сделали? В этот же период создана и серия монстров "Мечты и ложь генерала Франко" 1937 в 1936 году во время гражданской войны в Испании Пикассо поддержал республиканцев и выступил против сторонников генерала Франко и еще ряд картин на сходные темы: "Ночная рыбалка на Антибах" 1939 , "Плачущая женщина" 1937 последнюю картину он писал с Доры Маар, югославской женщины-фотографа, с которой Пикассо познакомился в 1936 году; она прославилась тем, что запечатлела стадии работы Пикассо над "Герникой". В годы второй мировой войны Пикассо живет во Франции, где сближается с коммунистами-участниками Сопротивления в 1944 Пикассо даже вступает во Французскую компартию. В это время он создает такие картины с тем же лейтмотивом быка, войны и смерти: "Натюрморт с бычьим черепом" 1942 , "Утренняя серенада" 1942, Нац. Всего было сброшено 22 тонны бомб. Освещение событий и придание всеобщей известности этой бомбардировки — заслуга английского журналиста Джона Стира, который побывал на месте событий вскоре после трагедии, осмотрел разрушения и расспросил местных жителей, а также нашел осколки бомб с немецкими клеймами.
Guernica была заказана Пикассо испанским правительством, которое собиралось разместить ее на Всемирной выставке в Париже. Художник представил картину в мае 1937 года. Огромная, 3,5 м высотой и 7,8 м шириной, она была написана маслом в черно-белом стиле в течение одного месяца. Международный журналист А. Медведенко рассказывал, что художник "работал неистово, как сумасшедший... Первые дни Пикассо стоял у мольберта по 12-14 часов. Работа продвигалась столь стремительно, что невольно складывалось впечатление, что он давно продумал картину в мельчайших подробностях и деталях". Впервые произведение «Герника» было вставлено на всеобщее обозрение в июне 1937 году в испанском павильоне на Всемирной выставке и вызвало очень неоднозначную реакцию у критиков и даже поклонников художника. Французский архитектор Ле Корбюзье, присутствовавший на открытии испанского павильона, вспоминал потом: "Герника" видела в основном спины посетителей", а сам художник, вспоминал познее: "Чего только не довелось мне услышать о моей "Гернике" и от друзей, и от врагов". В 1939 году картина была перевезена в Нью-Йорк, с условием, что она будет возвращена в Испанию, только, когда там будет установлена демократия.
В 1967 году, после некоторого политического смягчения авторитарного строя генерала Франко, правительство Испании попыталось вернуть «Гернику», однако Пикассо ответил отказом. И только в 1981 году она вернулось на родину художника. Как и во времена Пикассо, в настоящее время отношение к картине неоднозначное. В первую очередь осторожность проявляется со стороны политических деятелей. Известно, что в 2003 году копия картины в здании ООН в Америке была занавешена тканью. Это совпало с обсуждением вторжения в Ирак.
Он хотел быстрой славы и денег. Посмотрите внимательно на его автопортрет 1896 года. На нём мы видим характерные черты нетерпимости, не-желания много работать и презрительного отношения к окружающему миру.
Тем не менее за небольшой период пребывания в учебных заведениях молодой Пабло кое-чему научился у хороших преподавателей. Это видно по его ранним работам. Из него мог бы получиться хороший портретист или мастер пейзажей, как Диего Веласкес. Для этого необходимо было время, а Пикассо ждать не хотел. Он торопился жить. По-этому в 1900 году Пикассо бросает Испанию и уезжает во Францию в Париж — туда, где живёт и творит мировая богема, которая так манит и тянет к себе всех молодых людей со всей Европы. Там он быстро обзаводится новыми друзьями, поскольку ещё учась в Академии искусств в Мадриде успел поучаствовать в выставке своих ранних работ. О нём уже знали как о начинающем художнике-классицисте. В основном это талантливые художники и поэты.
В его творчестве были розовый и голубой периоды, но в какой то момент на полотнах стала преобладать сочная зелень. На многих картинах Пикассо искусствоведы видят «русский след». И не потому что испанский художник был женат на артистке балета Дягилева Ольге Хохловой. Все дело в волконскоите — редком минерале, в котором и кроется секрет насыщенного зеленого пигмента. Он встречается только в Приуралье и нигде больше в мире. Основатель кубизма даже просил советских коллег выслать ему ящик с загадочным зеленым камнем. Фото: телеканал «Санкт-Петербург» Как выглядит волконскоит в природе знают в геологоразведочном музее Института Карпинского.
Искусственный интеллект реконструировал потерянную картину Пикассо
Семья комедиантов — Пабло Пикассо «Розовый» период творчества, сменивший мрачный «голубой», еще называют «цирковым», так как главными героями большинства полотен. * Про Фотоопыт 8. Голубой период Пикассо (20 октября) ПАБЛО ПИКАССО. Две женщины, бегущие по пляжу (бег). 1922 Выберите цвет. Этот цвет должен быть в каждом снимке, который вы делаете. Новый рекорд по «Голубому периоду» Пикассо – 67,5 миллионов долларов – был установлен во вторник, 3 ноября, в «Сотбис» – одном из крупнейших аукционных домов во всем мире. Все оттенки голубого и серого — главные отличительные черты этого периода творчества Пикассо — навсегда останутся для него символами нищеты и печали.
Art Investment
Почему так произошло? Скорее всего потому, что он был прежде всего испанец и в нём текла кровь испанских предков. Поэтому он был хороший боец своего народа. Он не раздумывая бросился в драку за творческий олимп в искусстве и добился победы на этом поприще.
Пабло стал великим мастером и гением в изобразительном искусстве. А как? Давайте вместе с Вами дорогой читатель пройдёмся по жизненному пути великого маэстро и всё увидим своими глазами.
Голубой период Период жизни и работы Пикассо с 1901 по 1904 годы критики впоследствии назовут «голубым периодом» творчества художника. На картинах того времени художник часто рисовал одиночество, обездоленность, физическое убожество — нищие, бродяги, измождённые матери с детьми то есть характерные черты испанской действительности. При всём при этом эти картины всегда выделялись присутствием на полотнах холодного сине-зелёного и серо-голубого цветов при господстве голубого.
Это были цвета уныния и печали.
Однако картина интересна еще и тем, что из-под нее, словно призрак, проступает едва различимый контур женщины.
Проведенный уже в конце ХХ века анализ показал, что под верхним слоем шедевра сохранились следы предыдущей работы. Инфракрасные и рентгеновские камеры позволили реконструировать контур сидящей обнаженной дамы, вытянувшей вперед левую руку. Тогда же специалисты связали ее с небольшим наброском женщины с ребенком, который изобразил Пикассо в одном из писем рубежа 1900-х.
Этим дело и кончилось: помимо смутного силуэта, рассмотреть ничего не удалось.
Пабло Пикассо , Старый гитарист , 1903, Чикагский институт искусств Голубой период исп. В то время он писал по большей части монохромные картины в оттенках голубого и зелёно-голубого с редким добавлением тёплых тонов. Эти мрачные картины были вдохновлены Испанией и написаны в Барселоне и Париже.
Иначе разве он смог бы написать свой «Сон» илл.
Изображенный на этом полотне зачарованный мир не нуждается в объяснениях, ибо объяснить его невозможно. Вероятно, именно поэтому волшебная магия картины кажется достоверной. Руссо сам изложил содержание своей работы в небольшом стихотворении: Ядвига мирно почивает, И видит дева дивный сон, Как заклинатель змей играет, Взяв на свирели мерный тон. Блестит листва кустов прибрежных, И воды серебрит луна, И гады от мелодий нежных Впадают в транс — подобье сна.
Пабло Пикассо — гений современности
К счастью, «голубой период» в творчестве Пабло Пикассо не будет вечным, и в середине 1904 года его сменит «розовый». Начнется, собственно, «голубой период» Пикассо: монохромный, с изображениями старости и болезни. И хотя картины «голубого периода» Пабло Пикассо сегодня гораздо более популярны среди широкой публики, его «розовый период» имеет большее историко-художественное значение.
Другое измерение: 8 секретов «Авиньонских девиц» Пикассо
Голубой период (1901–1905). Начало это периода исследователи творчества Пикассо отсчитывают с конца второй поездки молодого художника в Париж. это время формирования индивидуального стиля художника. Картина, ставшая объектом исследования, считается одной из самых известных ранних работ Пикассо — шедевром его «голубого» периода. picasso painting the blue period delmonico books 2021 пикассо живопись в голубой период delmonico books 2021 издание альбомного формата 29х25 см в тве.
"Голубой" период
Мы только хотели выразить то, что было в нас», — писал позже Пикассо. Сама суть кубизма заключалась в том, что абсолютно все в мире — тела, деревья, вода, воздух, предметы — «лепились» художниками из одного и того же материала, из одних и тех же простых форм, тем самым позволяя им являться естественным продолжением друг друга. С появлением кубизма, основоположниками которого стали Пабло Пикассо и его друг Жорж Брак , искусство перестало нести изобразительную функцию, обратившись к аналитической. Постоянно встречаясь и обмениваясь мыслями, оба они пытались «вскрыть» оболочку предметов, и, выпотрошив наизнанку, отразить на полотне саму ее суть. А когда речь идет о сути вещи, какая разница как она выглядит, из чего сделана и где в пространстве находится? Взгляд на действительность многослоен как своим изображением, так и мышлением. В картине объект разлагается на многие углы зрения в стремлении довести до зрителя самую полную информацию.
Он объединяет разные углы зрения: например, прямой с боковым, вид сверху, снизу, и разъясняет очертания, скрытые от зрителя», — так говорил о кубизме Жорж Брак. Все дальше в своих поисках идеальной формулы кубизма уходил Пикассо, пока его картины не стали напоминать непонятную монохромную массу, с выпирающими гранями и состоящую из осколков предметов, о назначении которых можно только догадываться. Любая истинная фактура категорически отвергалась художником, и все изображения скорее напоминали выдолбленный в камне барельеф, чем картину. Что произошла очередная «смена оружия», Пикассо заметил в 1912 году, всего через два года после возникновения нового, придуманного им, направления. Слишком явная связь с абстракционизмом вовсе не льстила художнику, и он пошел на новые ухищрения, чтобы выделиться. В бой отправились вполне реалистичные детали — обрезки газет, картона, шрифты, даже алюминиевые ложки.
Все эти говорящие атрибуты восстанавливали связь с реальностью и в то же время составляли для зрителей некие ребусы. Они лишь намекали на смысл, но не раскрывали его полностью. Нотные листы, дольки лимона, капли воска — несоединимое все же соединялось на полотнах Пикассо и производило совершенно новую художественную реальность, но с маленькими якорями в реальности настоящей. Направление получило имя «Синтетический кубизм» и было отмечено также тем, что впервые в художественном искусстве шрифт стал равноправным участником композиции.
Статичные и монолитные, они выглядят, словно духи, запертые в камнях и деревьях. Мерцающий атмосферный свет импрессионистов уступил место отображению прочной вещественности форм 2. Эти две картины — первые по счету, в которых явственно видны новые открытия Пикассо в области пластической формы, а также начатки его собственной символики. Они знаменуют собой кризис, завершающий пору его отрочества, а также триумф над влияниями своей патриархальной семьи. В них заложен сюжет, затрагивающий самые сокровенные струны его души. Он пристально наблюдает человеческую драму, заставившую ощутить всю жестокость извечного конфликта между жизнью и смертью и поднявшую вопрос о воскрешении. Пабло принял настолько близко к сердцу трагедию своего друга, что она стала его собственной, и новая проблема художника состояла в том, чтобы найти для нее адекватные пути и средства выражения. Ему уже были знакомы ловушки сентиментальности и романтического символизма. Чтобы избежать их в своей картине, Пикассо включил в нее похабную подробность — разноцветные чулки на ножках девиц из небесного хора. Чтобы держать под контролем трансцендентальный полет своего воображения, ему нужен был какой-нибудь якорь, твердо укорененный в мирской реальности; он использовал в качестве способа выживания свое прирожденное чувство комического. Поскольку ему предстояло спуститься в Гадес 3 , то отыскать собственное спасение было для него сущностной необходимостью. Наездник на белой лошади, взмывающий в облака, и сбившиеся в тесный кружок плакальщицы, оставшиеся внизу, — оба этих живописных образа были подсознательными символами самого себя. Отмеченный выше отчетливый дуализм характера Пикассо быстро бросился в глаза его другу Морису Рейналю, с которым они познакомились год спустя в Париже.
Помню и то, как Пикассо бережно относился к друзьям. Те немногие, которые дожили до наших дней, до сих пор вспоминают его щедрость. Не наступит у публики пресыщения? Они счастливы увидеть выставку Пикассо. Люди никогда не жалуются, что им предлагают слишком много культуры. Никогда не бывает много Пикассо, Матиcса или других гениев. В 2017—2019 годы президент парижского Музея Пикассо Лоран Лебон осуществил в десяти странах грандиозный проект «Пикассо и Средиземноморье» — около 60 выставок и других манифестаций. Публика была в восторге! Пикассо дожил до глубокой старости, его ничто не стесняло, он пользовался полной творческой свободой… Разумеется, обожаю и его «голубой» период. Вы же понимаете, что я не могу не восхищаться своим гениальным дедом?! Он это сделал по зову сердца, следуя убеждениям или по расчету? Дед всю жизнь делал только то, что хотел, и никогда не жертвовал своей творческой свободой. Он не боялся фашистов и в годы Второй мировой войны остался в Париже. После разгрома Германии геополитический контекст был очень сложным. Многие его друзья-интеллектуалы, художники, писатели и поэты были коммунистами. Вступив в компартию, он нарисовал потрясающего «Голубя мира», который остается одним из великих символов человечества. Мой дед был скорее гуманистом, которого интересовала не столько политика, сколько борьба за мир. Пикассо участвовал во Всемирном конгрессе сторонников мира, который прошел в Варшаве. Его потрясло то, что он увидел в Освенциме. Продажа картины Пикассо на аукционе — это всегда событие? Не удивительно, что на протяжении десятилетий на аукционах постоянно появляются его работы, за которые разворачиваются настоящие баталии.
В 1907 году Пикассо сделал серию рисунков, в которых прослеживается эволюция его художественного стиля. Эти рисунки считаются подготовительными набросками к «Авиньонским девицам» — отправной точке для кубистического периода, где, геометрический язык отличается от «голубого» и «розового» периода множеством точек зрения и перспектив. В ноябре 1907 года Гийом Аполлинер, поэт и близкий друг Пикассо, организовал встречу с Жоржем Браком, молодым художником, который был частью движения фовистов. В своей мастерской Пикассо показывает незаконченную картину «Авиньонские девицы», которую писал довольно долго по сравнению с остальными работами — более года, тщательно прорабатывая детали. Брак и большинство друзей художника не приняли и раскритиковали работу, тем не менее это полотно стало первым шагом живописи в направлении кубизма [14]. Название скандальной картине дал поэт Андре Салмон, искусствовед и писатель. В период 1909—1910 годов Пабло продолжает работать параллельно с Жоржем Браком и в постоянном сотрудничестве с ним, и это будет продолжаться ещё три-четыре года. Кроме того, он пишет портрет Брака, причем Брак не позирует ему. Пикассо использует фотографию, сделанную им самим [16]. В наши дни больше не ходят в психушку, а основывают кубизм Пабло Пикассо Пабло Пикассо на фоне своей картины, 1912 г. В кубизме Пикассо различают несколько этапов: «сезанновский» «Три женщины» 1908 , «Бидон и миски» 1908 , «Женщина с веером» 1909 и другие работы [9] , для которого характерны зеленоватые, охристые, коричневые тона, типичные, которые использовал сам Сезанн, но при этом более мутные, размытые, изображение построено, формируют более простые геометрические формы. Вплоть до 1912 года, кубизм все больше и больше отдаляется от представленного предмета, что приводит к фрагментированному и почти монохромному изображению предмета. Формы определяются кубами, прямоугольниками и цилиндрами, грани которых взаимопроникают, что часто затрудняет их расшифровку [17]. Пикассо с Браком начинают вставлять трафаретные надписи в свои работы, а также органические материалы, такие как песок. Затем Пикассо создал первый в истории искусства коллаж «Натюрморт с палками от стула» в Париже весной. Расцвет кубизма пришелся на осень 1912 года, когда в парижской галерее Ла Боэти состоялась выставка «Золотое сечение». В мероприятии приняли участие около тридцати художников и был опубликован трактат «О кубизме». В этом справочнике изобразительное искусство восходит к Гюставу Курбе, объясняя, что кубизм — это логическое художественное развитие с инновационными аспектами. Pierre de Belay, портрет Пабло Пикассо, 1910 г. Хуан Грис, портрет Пабло Пикассо, около 1912 г. Выставка Пикассо-Брак, работы 1915 г. Метрополитен музей, фото 1949 г. Amedeo Modigliani , портрет Пабло Пикассо, 1915 г. Amedeo Modigliani , портрет Пабло Пикассо, около 1915 г. Неоклассицизм и русские балеты Пабло Пикассо, Монпарнас, 1916 г. Ольга Хохлова в студии Пикассо, весна 1918 г. В 1914 году начинается Первая мировая, что прерывает расцвет кубизма: многих художников призывают на службу.
Искусственный интеллект реконструировал потерянную картину Пикассо
Пабло Пикассо является основоположником такого художественного направления, как «кубизм». Сегодня почитатели творчества Пикассо со всего мира празднуют 140 лет со дня его рождения. Завершается экспозиция инсталляцией — в полумраке, между скульптур, мерцают голубым блеском две картины: "Святой Иоанн Креститель" (1610-е) Эль Греко и "Старый еврей с мальчиком" (1903) Пабло Пикассо. Всплеск интереса к Эль Греко случился в начале ХХ века, когда Пабло Пикассо увлекся его творчеством, а так называемый «Голубой период» в творчестве Пикассо несет в себе огромное влияние предшественника. В экспозиции представлено около 40 сопоставлений полотен обоих.