Народный художник РФ академик российской академии художеств профессор ульяновского государственного университета. Современные художники России и их биография. На нашем сайте вы найдете список лучших современных российских художников и их авторские картины с возможностью покупки напрямую без посредников.
«Искусство объединяет мир»: российские художники приняли участие в Венецианской биеннале-2024
В Москве завершилась юбилейная ярмарка современного искусства Art Russia / «Арт Россия» 2024. В прошлом году мы уже рассказывали про молодых современных художников, картины которых может позволить себе каждый. Какие мысли вас посетили при просмотре картин современных российских художников? «Для меня важно показать этот проект в России», — признается один из ведущих художников современного искусства РФ Иван Плющ, говоря о своей выставке «После иллюзий» в галерее «БИЗON». Как будет развиваться современное искусство в России и почему его неминуемо ждет новый подъем, размышляет художник-концептуалист Евгений Гриневич. 300 картин современных российских художников Июнь 2023 Выпуск №1Картины художников:Иннеса МорозоваТатьяна ЧерныхАнастасия ЕрмаковаСветлана РодионоваЮлия Непо.
10 многообещающих петербургских художниц и художников, о которых (надеемся!) будут говорить все
Для современных российских художников и скульпторов идеи импрессионизма и сегодня по-прежнему актуальны. Никакие новые виртуальные технологии не могут отменить способности людей визуально воспринимать окружающую реальность и потребности радоваться жизни, которую так ярко и впечатляюще отражает импрессионизм. Проект представляет импрессионизм, как особое мироощущение, показывает развитие традиций стиля в творчестве современных живописцев, графиков и скульпторов.
При любом использовании материалов сайта и сателлитных проектов, гиперссылка hyperlink www. Публикации с пометкой «На правах рекламы», «Новости компании» оплачены рекламодателем. Редакция сайта не несет ответственности за достоверность информации, содержащейся в рекламных объявлениях.
Размер пожертвования никак не ограничен. Продолжение следует…» в Галерее «Выхино» Объединения «Выставочные залы Москвы», продолжающая цикл просветительского проекта «Живая история искусства», представила произведения современных российских художников, в работах которых можно увидеть следы вдохновения русским авангардом — ключевого поворотного момента в эволюции не только российского, но и мирового искусства. И хотя русский авангард возник на почве открытий французского кубизма и фовизма, итальянского футуризма и немецкого экспрессионизма, именно это направление в искусстве отмечено невиданным масштабом и радикальностью. Русский авангард решительно порвал с традиционным искусством, создавая новые формы, которые приближаются к чистому творению. Художнику в таком контексте не нужна внешняя модель, будь то природа, человек, либо предмет. Авангардист ничему не подражает, ничего не копирует, но обнаруживает способность творить, исходя из неких первоэлементов.
Лауреат премии художник Алексей Крюков подарил Президенту свою картину о детях Донбасса, которая называется " В минуты тишины ". На ней изображена девочка, рисующая цветными мелками на асфальте. У меня есть особенная картина - "В минуту тишины" называется. Меня это настолько поразило, вдохновило, и вот эту картину я решил написать - где девочка рисует мир на асфальте, родителей, которых уже, быть может, нет, к сожалению", - сказал Крюков на церемонии.
Древнерусская культура в интерпретации современных художников
| Российские художники приняли участие в Венецианской биеннале-2024 | АиФ Санкт-Петербург | Союз художников России при поддержке Министерства культуры РФ продолжает работу над новым выставочным проектом, целью которого является выявление талантливой молодежи в регионах страны, поддержка и развитие их творческого потенциала. |
| 10 самых дорогих современных художников России | Десять художников, членов Союза художников России и Творческого союза России, побывали в Пушкинских горах, Царском Селе, Петербурге и Гурзуфе. В результате было создано более 40 работ, на которых отражены красота и величие мест. |
Они так видят: молодые российские художники, за которыми стоит следить
собрал 10 современных российских художников (уверены, их намного больше), которые, возможно, впишут свое имя в классику живописи 21 века. 2 ДекабряВ списке Лучших современных художников России (ARTEEX) уже 160 авторов. Они представили свои работы наряду с зарубежными художниками в рамках уникального проекта «Искусство объединяет мир. Современный российский художник" Журнал "Русская галерея-XXI век / Russian gallery. Академик, член президиума РАХ, народный художник РФ Константин Петров подчеркнул, что «планируется продолжиться совместные проекты Новосибирского художественного музея и Российской академии художеств» и поздравил гостей с открытием выставки. Александр Пономарев (1957 г.р.) – моряк, художник, куратор, организатор первой Биеннале современного искусства в Антарктиде в 2017 году.
Выставка «Молодые художники регионов России» открылась в Москве
Российские художники приняли участие в 60-й юбилейной Венецианской биеннале 2024 года. От нейроарта до граффити: 5 современных художников, на которых стоит подписаться во «ВКонтакте». онлайн-галерея картин современных художников. онлайн-галерея картин современных художников. От нейроарта до граффити: 5 современных художников, на которых стоит подписаться во «ВКонтакте».
Современные художники России
Самое важное, чтобы было время заниматься творчеством и не приходилось распыляться на сторонние заработки и организацию своего быта. В общем, у меня такая довольно простая характеристика успеха — иметь возможность не изменять своему представлению об искусстве и творить. Еще, как бы банально это ни звучало, но важная часть процесса — показывать свои работы. Думаю, у многих художников есть ощущение — по крайней мере, у меня оно точно есть, — что тебя должны воспринимать через те идеи, которые ты только начал реализовывать. Но на самом деле тебя воспринимают так, как ты себя показал ранее. Проект, который ты уже продемонстрировал, оказывается в публичном поле и именно по этой работе судят о твоем творчестве, а не по тем идеям, которые только появились в твоей голове. Поэтому нельзя забывать про презентацию своих работ. Коммуникацию со зрителем, которому ты хочешь донести ту или иную мысль, стоит воспринимать как часть творческого процесса, и ни в коем случае не нужно про нее забывать или намеренно игнорировать этот аспект. Экспозиция «Карате-поэзия». MYTH Gallery.
Автор фото: Владимир Абих Экспозиция «Карате-поэзия». Они дают дополнительные возможности в первую очередь, а уже во вторую создают проблемы и сложности. Для меня в соцсетях наиболее важным кажется то, что те, кто не имел возможности репрезентации, ее получили. Безусловно, это сопряжено с большим количеством проблем и сложностей, в том числе для потребителей контента, которые должны научиться отличать хорошее искусство от плохого в большом потоке. Усугубляют ситуацию еще и алгоритмы, с помощью которых владеющие соцсетями корпорации модерируют контент. Но в целом я считаю, что если классному художнику удается показать себя и он появляется в публичном поле, то это уже очень круто. На мой взгляд, чем больше разных способов репрезентации есть у художника, тем лучше. О том, нужно ли молодому художнику жить и работать в Москве или Санкт-Петербурге Думаю, вполне возможно пробиться, работая и в маленьком городе. Но, насколько я вижу из практики коллег, происходит это следующим образом: если ты делаешь какие-то интересные вещи, то в какой-то момент возникает необходимость показать свои работы более широкому зрителю, и тут нужны, если говорим о России, крупные московские институции, а также европейские и американские.
Мне сложно представить, да и нет подобных примеров, чтобы художник жил в небольшом российском городе, делал что-то стоящее и презентовал свои работы только через соцсети. В любом случае, система устроена так, что связь с Москвой или с Санкт-Петербургом сегодня необходима. Я не стал бы сравнивать, в каком из этих городов арт-комьюнити сильнее. В Петербурге художественное сообщество меньше, но оно более сплоченное. Лично я ощущаю там больше поддержки от коллег. Возможно, в Москве художникам не хватает этого чувства локтя, потому что идет борьба за ресурсы и разные микросообщества внутри одного большого начинают конкурировать, поэтому среда становится более токсичной. Но в целом вопрос интеграции зависит от личных интересов художника. Например, лично для меня погружение в петербургскую художественную среду произошло самым естественным образом. Меня интересовали определенные вещи, но я не находил ответов совсем рядом, поэтому искал дальше.
В Петербург я переехал учиться. Сам родом из Перми и долгое время жил в Екатеринбурге. Признаюсь, у меня было романтизированное представление о Петербурге, но, мне кажется, это довольна типичная история. Я переезжал в город, который сам себе нафантазировал, находясь на расстоянии от него и приезжая туда лишь иногда как турист. Автор фото: Владимир Абих Объект из проекта «Карате-поэзия». Найденный объект. Архитектурный бетон, акриловый композитный материал. Лично у меня весь флер развеялся, когда случился экономически кризис. На мой подростковый возраст пришелся период расцвета, и казалось, будто вот мы начнем сейчас что-то делать и все станет гораздо лучше.
Только возникло это ощущение забрезжившего света в конце тоннеля, как мы начали медленно ползти вниз и стали погружаться в кризис. Появилось чувство разочарования из-за неоправдавшихся надежд — все пошло не совсем так, как ты ждал. Не очень правильно связывать это с городом, ведь такая ситуация была в целом по стране, но тем не менее. О своих ориентирах в мире искусства Назвать имена конкретных современных художников, которые могут служить ориентирами, всегда сложно. С одной стороны, очевидно, что для меня важными были и остаются мои друзья и тот круг художников, кураторов и специалистов, с которыми мы вместе работали и которые оказали на меня влияние. Также могу привести в пример художников, которые работают со звуком и в какой-то момент оказали влияние на меня — такие как Марина Карпова или сибирский коллектив Forester, состоящий всего из одного человека. Вообще могу назвать очень много петербургских художников — начиная от Лизы Бобковой, Аси Маракулиной, группы «Север-7» до таких молодых художниц, как Алина Кугуш и Вая Зверева. Все они мне кажутся очень талантливыми и классными. Объект из проекта «Субурбия».
Бетон, металл, 3D-печать. Автор фото: Владимир Абих Фото экспозиции «Субурбия». Автор фото: Дмитрий Птицын Фото экспозиции «Субурбия». Автор фото: Дмитрий Птицын Объект из проекта «Субурбия». Периодически я работаю как фрилансер — делаю коммерческие проекты. При этом, к счастью, искусство все-таки меня тоже кормит — спасибо всем моим коллегам, в первую очередь галерее MYTH и коллекционерам, которые покупают мои работы. Кроме того, поддерживают институции, которые устраивают выставки и биеннале и платят гонорар художникам. Мне кажется, только-только начали происходить изменения и стала формироваться более здоровая и благоприятная для художника обстановка. Это помогает более спокойно и сосредоточенно работать над своими проектами.
В совокупности мой доход собирается из каких-то разовых вещей — мне сложно оценить даже процентное соотношение, потому что все постоянно меняется. Вот в прошлом году, например, мне повезло, что мои работы покупали в свои коллекции, и это приносило достаточно денег. Понятное дело, что я как молодой художник не получаю за них миллионы долларов. На рынке искусства в России в принципе не циркулируют такие деньги. Я занимаюсь скульптурой — цены на них варьируются в промежутке от 1000 до 5000 евро за одну работу. А графику можно продать, наверное, в пределах от 100 до 500 евро за штуку. О своей самой большой творческой амбиции У меня нет мечты, которую я хотел бы реализовать, когда мне будет 80 лет. Я ориентируюсь на обозримое будущее. Сейчас мне хочется сделать крупную персональную выставку.
У меня есть несколько проектов с галереями, но это не тот масштаб, о котором я мечтаю. Мне бы хотелось иметь возможность реализовать свои более амбициозные идеи, которые уже наработаны, но никак не воплотятся в жизнь. Кроме того, было бы здорово реализоваться и за рубежом — для этого я регулярно участвую в опен-коллах. Мои работы уже брали на европейские выставки, а также ездил в резиденцию в Америку — это был очень интересный опыт. Объект из проекта «Карате-поэзия». Архитектурный бетон, пластик. Автор фото: Владимир Абих Фото экспозиции «Незаконченный проект». Ельцин Центр. Это время уже давно прошло.
Сейчас основная проблема интеграции российских художников, на мой взгляд, в том, что страна в целом не хочет интегрироваться в международный контекст, в том числе культурный. И, мне кажется, именно это обстоятельство влияет на восприятие отечественного искусства. Но, опять же, нет ведь одной институции или конкретного человека, который сидит и за всю Европу решает, каких художников звать, а каких нет, Россию берем или нет… Есть огромное количество людей — они все включены в культурный контекст, у них разные интересы, в том числе показывать то искусство, которое они считают хорошим и которое отвечает на те вопросы, которые они перед собой ставят. И российское искусство в этом смысле ничуть не уступает зарубежному. Я думаю, оно вполне конкурентоспособное и даже может демонстрировать интересный фокус, решать задачи. У меня нет ощущения что российское искусство хуже или находится в другом контексте. Оно правда, наверное, самобытное, но я не думаю, что это плохо. Наоборот, над ним интересно подумать. Кирилл Агафонов 35 лет и Наталья Передвигина 35 лет , резиденты микротерритории Город Устинов Микро-арт-группа образовалась в 2010 году в Ижевске, где сейчас живут и работают ее участники, и была названа в честь прежнего наименования города — Устинов, которое просуществовало всего 900 дней с 1984 по 1987 год.
Как места на карте Устинова больше нет, но напоминание о нем осталось в паспортах у людей, родившихся в этот период. Художники микротерритории Город Устинов родились именно тогда. Они связывают свое творчество с местом, которого нет, изобретают собственное пространство и время. Их город перемещается и присутствует одновременно в различных локациях: там, где представлены его артефакты, где живут единомышленники и друзья. В 2018 году получили грант музея «Гараж» Москва. Работали в российских и зарубежных арт-резиденциях. Номинанты «Премии Кандинского» 2019 , лауреаты премии «Инновация» 2020. В нашем случае это территория города, которого нет. Точнее, его какое-то время не было.
Чуть более десяти лет назад мы начали переизобретать собственное место рождения. Теперь этот город существует, но не привязан к определенной локации. Он перемещается и присутствует одновременно в нескольких местах. Из проекта он превратился в реально ощутимую местность, совместность, а мы переименовались из микро-арт-группы в микротерриторию и чаще называем себя не художниками, а резидентами по отношению к тому, что создано. Как современному художнику заявить о себе Однажды удалось сформулировать принцип — «для себя и вообще». Если честно, помог в этом фильм «Контакт». В нем ученая на протяжении жизни отправляет сигналы в космос, ждет ответа и однажды получает его. Принцип заключается в том, чтобы ориентироваться на внутренний отклик и по возможности задействовать каналы ретрансляции, любые публичные форматы. Тогда, возможно, индивидуальный художественный язык будет услышан, и последует ответная реакция — найдутся единомышленники.
В среде современного искусства важно не столько достучаться до самых заметных институций или известных личностей, сколько найти своих. Без названия из проекта «Острова» , 2013. Разбившаяся тарелка, найденные кусочки ткани, ручное шитье, склеивание. Куратору 5-й Московской биеннале современного искусства Катрин де Зегер нас порекомендовал Александр Сигутин, когда Катрин была у него в мастерской. А пересеклись с Александром мы вообще в Краснодаре, когда в мастерской группировки ЗИП открыли выставку «Микротерритория». SRSLY устраивал там серию выставок, которые должны были запускаться одновременно, но почти все открытия были сорваны провокаторами. Только нашей микровыставке повезло открыться вовремя. Она была последней в программе, удаленной от центра, и к нам дошло всего два провокатора. Как только начались словесные выпады с их стороны, публика этих двоих взяла и аккуратно вынесла на улицу.
Мы открылись благодаря публике, а на биеннале попали не потому, что нас кто-то продвигал. Нашелся единомышленник и при случае рассказал о нас. О том, обязательно ли молодому художнику жить и работать в Москве или Санкт-Петербурге Центр и периферия — это разные ритмы, режимы действия. Можно выбрать более подходящий, переключаться. Мы никогда не жили в Санкт-Петербурге, лишь шесть месяцев провели в Москве в мастерских музея «Гараж». За пределами столиц легче уйти в себя, прислушаться, замедлиться. Но, конечно, порой необходимо посмотреть со стороны на то, что ты делаешь, почувствовать творческую общность. И в этом помогают активные региональные связи: в стране не один, не два, а множество центров, работающих наравне со столичными площадками. Пластик с берега Черного моря, ткань, ручное шитье.
Для нас это способ переместиться в новый контекст, ощутить другой ритм. В нашей практике почти нет отсылки к национальной специфике. Поэтому, оказываясь за пределами России, на другой территории, мы продолжаем выстраивать органичные связи, развивать собственный язык, и он становится общим. Мы не чувствуем проблем с переводом или специфической реакции как на представителей страны. О своих ориентирах в мире искусства Искусство интересно тем, что постоянно теряет и находит собственное определение. Мы часто задаемся вопросом: что для нас искусство? Искусство ли то, что мы делаем? В чем безотносительная ценность собственной практики? Можно сказать, что это бесконечный диспут о границах — личных и явления в целом.
С другой, возникает желание расширить само это поле. Или же, если представить его всеобъемлющим, переключаться между навигацией и телепортацией в случайную область. Например, в формате резиденция-коллаборация, который микротерритория может предложить. Это коллективная не художественная практика, у ее участников разнообразный бэкграунд и возраст. Мы пригласили их в Ижевск и предложили обратить коллективное внимание на микрорайон, где новостройки «Новый город» постепенно замещают дачные кооперативы. Между девелопментом и утопиями частных построек смещается перепаханная экскаваторами полоса. Такая переходная зона с фрагментами домов, мебели, вещей — жизни, условно, «старого города». Зал «горонтальной школы», выставка-лаборатория «То, что ещё не случилось», 2021. Фото: Максим Амельченко Зал «горонтальной школы», выставка-лаборатория «То, что ещё не случилось», 2021.
Завораживает именно «переходность», когда границы смещаются. И оказалось большой удачей, что участники «горизонтальной школы» в результате обошлись без произведений. Наработки, собранные ими в инсталляцию на базе «КЦ» в Ижевске, затем переместились на выставку-лабораторию «То, что еще не случилось» в «ЦК19» в Новосибирск. Вдохновляет ощущение, которое с Ильей мы ухватили как то, что представлен «сырой материал». Это разомкнутость отдельных объектов, это невозможность распознать отдельных художников или поддерживающее перетекание от одного к другому, одного в другое. Кажется, что в этом дрейфе границ искусство раскрывается как всеобщая деятельность и открывает множество перспектив. Идеи, которые волнуют прямо сейчас Если в трех словах, «Музей с доставкой». Этот год в целом для нас — большая стройка. Мы активируем множество связей, контактов, которые Город Устинов вокруг себя накопил.
Можно сказать, мы наблюдаем принимая активное участие за тем, как артефакты, практики, сложившийся рукотворный ландшафт обрастают архитектурой отношений. Он окончил Московское художественное училище прикладного искусства бывшее имени Калинина и Иконописную школу при Московской духовной академии, обучался в Институте «База» Москва. Персональные выставки Антона проходили в Центре «Красный» 2016, 2017 , на площадке молодого искусства «Старт» Центра современного искусства «Винзавод» «Сомнительное основание», Москва, 2017 , в галерее «Электрозавод» «Без опоры», Москва, 2017 и в галерее «Сцена» «Ты, только после», Москва, 2019, «Пустоцвет», Москва, 2021. Также являлся участником программы Мастерских и арт-резиденций Музея «Гараж» 2019 и 2-й Триеннале российского современного искусства Музей современного искусства «Гараж», Москва, 2020. Антон имеет большую практику работы как художник-монументалист, и она для него очень важна. Он хорошо знает историю искусства, в том числе российского конца XIX — начала XX века, явно играет с ней в своих последних работах, при этом может ее концептуализировать, а это уверенная стратегия успеха. Тем более что живопись стабильно пользуется популярностью на рынке, на нее всегда есть спрос как у коллекционеров, так и в целом у зрителей. Я охарактеризовал бы современного художника как фигуру, которая проблематизирует само понятие искусства. Ведь оно по сути дела никому не нужно и в теории абсолютно бесполезно, потому что не несет в себе конкретного функционала, не входит в спектр тех или иных задач.
Как современному художнику заявить о себе Мне кажется, что у всех представление об успехе разное. В том числе и у каждого художника — свое, причем оно не связано с конкретной выставочной деятельностью, продажами или известностью. Лично для меня, например, успех — это когда люди, которых уважаешь, говорят, что ты двигаешься в правильном направлении. И тогда я ощущаю, что у моей художественной практики правильный вектор, который не то чтобы одобряем, но понятен и согласуется с видением тех, чьи взгляды мне близки. О своих ориентирах в мире искусства Это сложный вопрос, потому что не хочется кого-то упомянуть, а кого-то нет. Основная проблема, наверное, в том, что сегодня для тебя важно мнение одного человека, а завтра оно уже не так ценно. Мне кажется, ориентиры — это временное явление для каждого художника. Когда я учился в Институте современного искусства «БАЗА», мне было безусловно важно мнение преподавателей и моих сокурсников. Потом я стал участником центра «Красный» — и точно так же меня тогда волновало, что думают ребята, которые состоят в этом сообществе.
В общем, по мере развития твоей практики в те или иные периоды на тебя имеют силу воздействия разные люди. Поэтому, на мой взгляд, важно не только полагаться на мнение тех, кого ты уважаешь, но и сохранять верность самому себе, уметь слышать свой внутренний голос, оставаться в ладу с собственными ощущениями.
Выставка объединяет представителей школы классического импрессионизма, последователей постимпрессионизма и неоимпрессионизма. Участников выставки 2023 года встречает один из лучших современных выставочных залов Москвы Центра искусств "ART Коробка". Площадь экспозиции более 800 квадратных метров, профессиональное техническое оснащение, оборудованная конференц-зона, актуальная инфраструктура.
Так, в Алтайском природном заповеднике она создала стальную кольчугу «След» из 12 000 дисков, а в саду университета имени Герцена — инсталляцию, регенерирующую умершие ветви дерева. Весной 2022-го в пространстве Cube. Moscow на выставке «Температура плавления» Катерина Веселовская показала как раз «След» и еще пару новых работ. А уже летом того же года представила все арт-объекты из этой серии на своей персональной выставке в петербургской «Люде». Их же впоследствии галерея привезла на ярмарку Cosmoscow. Веселовская интересуется темными сторонами природы и культуры. Ее увлекают загадочные обстоятельства народного фольклора, темные тайны природного мира, мистика и оккультизм. В чугуне особенно отчетливо проявляется тяга художницы к хтоническому, которое напрямую связано с землей. Равно, как и давняя традиция отливки: чугун выливается также в землю. При этом он имеет тяжелую фактуру , позволяя запечатлеть флюидность, текучесть, неустойчивость и невнятность материи. Совсем недавно, в ноябре 2023-го, в Петербурге открылась еще одна выставка Катерины — совместная с художником Вадимом Зайцевым. Проект под названием «Литник» разместили в крипте католического храма Посещения Пресвятой Девой Марией Елизаветы, построенном по проекту Николая Бенуа. Больше всего уличных работ художника можно встретить на Васильевском острове. Шины вообще важны в личной мифологии Железкера. Она строится вокруг повторяющихся образов — покрышек, камней, Бибендума, зиккуратов, черепа, костей и баллончиков. Но художник не ограничивается стрит-артом и создает и студийные живописные работы. С весны 2022 года у Железкера продолжается «черный период». Традиционная для предыдущих практик художника яркая цветовая палитра была сведена к монохрому. От наивных экспрессионистских живописных работ он перешел к более брутальным графическим композициям, выполненным на брезенте, — в дюререровской манере и с босховскими мотивами. Его ежедневная рутина состоит из окрашиваний своего тела, одежды и окружающих вещей в черный цвет, посещения кладбищ и могил, сжигания предметов. Когда случайные люди спрашивают Железкера, почему он такой чумазый, — он отвечает, что у него сгорел дом. Это в каком-то смысле действительно так — 15 лет назад его отец случайно сжег дачу. Место, которое художник считал своим настоящим домом. В своих, порой нарочито провокационных, «выходках» художник проверяет устойчивые сообщества и социальные группы на прочность, обнажая невидимые механизмы власти и социального контроля. Летом 2023 года Железкер совместно с Виктором Забугой запустили проект «На дне», в котором на протяжении недели они провели, как бездомные: не пользуясь деньгами и жильем и изучая низовую социальную реальность. Художники мылись в лужах и городских реках, спали в самодельных хижинах, брали интервью у других бездомных, просили милостыню и принимали в дар еду. С января 2024 года Эрик Железкер станет резидентом мастерских музея Garage в Москве. На выставке художник презентовал новую серию живописных работ, где в качестве холста использовал необработанные доски.
Но о вопросах с МОЭК и префектурой тогда не задумывалась. У каждого клочка земли в городе есть несколько хозяев, и ты с ними должен договориться. И тот забор, на котором висели кровати, как оказалось, примыкает к какому-то гаражному кооперативу, и мне пришлось с этими людьми тоже договариваться. То есть я не ожидала, что город — это настолько сложная агломерация. Поэтому первое желание было — отказаться от всего. Но когда ты чувствуешь этот драйв, выходя на улицу, понимаешь, что все-таки городу это нужно, ты начинаешь в это втягиваться. А вот чисто психологически, наверное, самое трудное было решиться на проект с Морозовской больницей… «Ячейки времени» в рамках кураторского проекта «МедиаДвор». Расскажите, пожалуйста, об этом проекте. Этот проект я начинала делать для детской больницы в Гольяново, которую ремонтировали. Пригласили меня: мол, вот ты делаешь интересные проекты в общественных пространствах, сделай в поликлинике. Помню, я тогда поначалу пришла в ужас: думала, что больные дети и современные художники — два разных полюса. Оказалось, что ничего подобного. Я когда кинула клич по коллегам-художникам, все стали живо отзываться: все мы ходили в детстве в поликлинику, все боялись уколов и испытывали страх уже на подходе к зданию. И весь проект придумали как лекарство против страха. Но когда уже собрали все эскизы, у организаторов начались трудности, все отменилось. А материал уже был собран большой, художники много интересных вещей придумали, я ходила по инстанциям, предлагала… Однажды рассказала обо всем знакомой журналистке Ирине Ясиной, она написала о проекте у себя в соцсетях, и буквально на следующий день на меня вышел попечительский совет Морозовской больницы.