49 результатов новостей. Главный тезис, который был предложен гостем, оказался довольно оригинальным: немое кино объединяет кинематографистов и киноманов разных стран. фильм советского режиссёра-авангардиста Михаила Кауфмана “Весной“ (1929). Рената Литвинова сняла немое кино. Немое кино принесло нам такие культовые фильмы, как "Десять заповедей", "Бен-Гур", "Цирк".
Немое кино «Оборона Севастополя» озвучили
В России 30 ноября состоялась премьера фильма «Немая ярость» режиссера Джона Ву. Эпоха немого кино больше всего запомнилась своими гэгами и атлетичными комиками, которые одновременно смешили и сами выполняли трюки. В Женеве на фестивале независимого кино Black Movie был показан фильм «Племя», все роли в котором сыграли глухие актеры-непрофессионалы.
В Иркутской области готовят проект «Не немое кино»
По версии следствия, Арбакл во время развратной вечеринки изнасиловал начинающую актрису Вирджинию Рапп, которая умерла из-за слишком большого веса, давившего на нее. Его в конце концов оправдали, признав, что дама, мягко говоря, не отличающаяся скромностью и целомудрием, умерла от кровотечения, вызванного перитонитом после недавнего аборта. Но репутация актера была безнадежно погублена всплывшими в процессе разбирательства подробностями его личной жизни. Фильмы с участием Роско Арбакла запретили к показу, его перестали снимать. Только в 1932 году ему удалось заключить контракт на шесть короткометражек с Warner Brosers, а всего год спустя его не стало из-за сердечного приступа. Иван Мозжухин Джон Москин Фото кадр из фильма «Лев Моголов» Свою карьеру недоучившийся юрист начинал с эпизодических ролей в провинциальных театрах. Затем попал на съемки, и вот тут начинающего актера заметили. Мозжухин начал сниматься в 1911-м и оказался универсальным артистом: комиком, трагиком, героем-любовником. За один 1914 год главной звезде русского немого кино достались роли в 18 картинах! А вершиной мастерства стали главные роли в фильмах Протазанова «Пиковая дама» 1916 и «Отец Сергий» 1918. В стране было неспокойно.
На съемках в Ялте актера вместе с женой Натальей Лисенко арестовывают красноармейцы и приговаривают к расстрелу. Спас их красный командир, давний поклонник Ивана Мозжухина. Пришлось бежать из страны на грузовом греческом судне «Пантера». Приехав в Париж, русский артист продолжил карьеру: снимался, пробовал себя как сценарист и режиссер. Роковым стало приглашение в Голливуд. Мозжухина заставили сделать пластику носа, взять псевдоним Джон Москин. И сняли его при этом всего в одном фильме. Вернувшись в Европу, Иван оказался заложником новой эры звукового кино. Кумир зрителей немого кинематографа, не очень хорошо знающий язык и говорящий с акцентом, мог теперь рассчитывать только на второстепенные роли. Дожил Мозжухин всего до 49 лет, чахотка оказалась для него смертельной.
Вручили ее Бастеру Китону, актеру и режиссеру с уникальным комическим дарованием. Кстати говоря, прозвище Бастер «удалец» дал маленькому Джозефу Китону сам Гарри Гудини, когда увидел, как шестимесячный малыш скатился с лестницы, не получив ни синяков, ни шишек. Так и повелось: он падает, а зрители смеются и удивляются. В семейном шоу «Три Китона» была реприза, где мальчик все время падает и извиняется. Причем с каменным лицом, без тени улыбки. Публика покатывалась со смеху. А способность держать невозмутимое выражение лица в самых нелепых ситуациях стала, как бы теперь сказали, главной фишкой актера. В кино Китон попал в 1917 году благодаря знакомству с Роско Арбаклом. В фильме «Ученик мясника» толстяк Арбакл сбивал Бастера с ног мешком муки, а тот, как обычно, падал. Китон не только оказался прекрасным комическим актером, но и талантливым режиссером.
С 1920 по 1929 год он снял более 30 успешных фильмов. Даже наступление звукового кино не должно было сказаться на карьере артиста, у него был хороший голос, он прекрасно пел и танцевал. Но Бастер заключил крайне неудачный контракт с крупной киностудией, лишивший его творческой свободы. Ему не давали снимать фильмы, задействовали только как актера, да еще в таких картинах, которые разрушили его карьеру. Параллельно на него сыпались личные передряги. Еще в 1921 году Китон женился на актрисе Натали Толмадж, которая родила ему двух сыновей в 1922 и 1924 годах соответственно, а затем закрыла мужу дверь в собственную спальню, поддавшись новомодным идеям, согласно которым женщины отказывались иметь много детей. Романы на стороне принесли только разочарования, при этом супруга наняла частного детектива и закатывала скандалы. Все эти неурядицы привели к депрессии и алкоголизму. В итоге в 1933 году с ним разорвали контракт. Более того, Китона не взяла ни одна голливудская студия.
Вскоре его признали банкротом, он лишился огромного состояния, виллы, семьи и любимой работы. Последовали лечение в клинике и странный брак с медсестрой, заключенный под влиянием алкоголя с ней потом тоже пришлось трудно и разорительно разводиться. И все же Бастеру Китону удалось выйти из кризиса. Он смог вернуться в кино, счастливо женился на Элеонор Норрис, которая была моложе на 23 года, и дожил до 80 лет. Барбара Ла Марр, которую на самом деле звали Рита Дейл Уотсон, успела стать большой звездой, сыграла в 27 десятках фильмов, к тому же написала несколько сценариев.
Библиотекарь, Фаустова О. Гости библиотеки вспомнили фильмы, созданные «великим немым», Чаплин в своих фильмах соединял комическую эксцентрику с горестными, трагическими сценами, а это было новым словом в искусстве, и, конечно же, самый знаменитый образ — образ бродяги, принесший актеру мировую славу. И, как оказалось, в беседе с членами клуба черно-белые немые фильмы Чарли Чаплина, и сейчас, впечатляют даже сильнее, чем современные блокбастеры.
В своей приветственной речи Жанна Воробьева, заместитель генерального директора по науке и просветительской деятельности Государственного музея истории Санкт-Петербурга отметила: «Массовое увлечение кинематографом началось именно с Санкт-Петербурга. А в начале XX века открылась студия документального и игрового кино Александра Дранкова и первый кинотеатр. К концу 1916 года в северной столице было более 400 кинематографов. На помощь кинопрокатчикам пришли специалисты по выпуску художественно-оформленных афиш и улицы российских городов сразу же украсили яркие плакаты, столь же выразительные и наглядные, как сами киноленты». Директор Департамента культуры Ирина Романец поблагодарила Музей обороны Севастополя за организацию выставки: «Все ваши выставки уникальны. За каждым представленным здесь плакатом стоит история, история прочно вошедшей в нашу жизнь культуры кинематографа». Может быть первый кинотеатр и был открыт в Санкт-Петербурге, но вот эта система «Иллюзиона» возникла при Советском Союзе и замечательно, что усилиями сотрудников музея прекрасная идея создания кинотеатра в Севастополе — киноиллюзиона была воплощена в жизнь», — отметила в своей речи режиссер-документалист, президент фестиваля «Святой Владимир» Елена Иваниченко. Среди представленных на выставке произведений — афиши к кинофильмам «Дочь Анны Карениной», «Хануся», «Мечта и жизнь», а также программы синематографа Люмиер и синема-театра «Parisiana» с рекламой торговых фирм Петербурга.
Тапер — профессия почти забытая. Так раньше называли пианистов, отвечавших за музыкальное сопровождение немых фильмов. В Новосибирске такой кинотеатр тоже существовал. Его открыл предприниматель Махотин, он располагался там, где сейчас находится выход из станции метро «Площадь Ленина» со стороны мэрии. Сегодня немое кино с музыкальным сопровождением тапера возродили в Новосибирске. Опыт возвращения немого кино на экран состоялся 22 января в Музее документального кино. На экране — уникальная оцифровка кинохроники Ново-Николаевска. Революционные настроения, рабочие строят город, колхозники работают на тракторах. При чем тапер это был великий музыкант, молодой Шостакович подрабатывал тапером! Во время Второй мировой войны его привез в столицу Сибири эвакуированный артист Ленинградской филармонии. А когда война кончилась, и артист собрался домой, то не стал увозить инструмент — то ли не было возможности, то ли денег.
Содержание
- фотографии >>
- Немое кино: 20 лучших фильмов в истории / Skillbox Media
- 13 октября 2022 года в кинозале Дарвиновского музея
- Может ли немое кино, снятое девять десятков лет назад, быть актуальным?
Новую версию фильма покажут в городе-герое в воскресенье
- Самое читаемое
- Комедии с Чаплиным и Китоном покажут в сопровождении джаз-бэнда
- Add to Collection
- Немой фильм 1918 года в российском прокате увидели 3 тысячи зрителей
- Иван Мозжухин
Немая ярость - трейлеры к фильму
- «Немое кино с оркестром» покажут в кинотеатре «Космос»
- Газета «Суть времени»
- Курсы валюты:
- Рекомендуемое
- Немое кино | Журнал Новый очаг
- 85 лет назад мир прощался с немым кинематографом
Люди и фильмы немого кино
Стоимость автомобиля и музыкального инструмента в то время была примерно одинакова. Мальчик обладал способностями, но не очень хотел связывать свою жизнь с музыкой. Впоследствии он стал гениальным хирургом. Его супруга и подарила старинный инструмент музею. За клавишами дореволюционного производства заслуженный артист России, пианист Геннадий Пыстин. Австрийское фортепиано с историей именитый музыкант оценил как отличное и мягкое. Для него фортепиано — живой инструмент. За свою карьеру музыканту удалось сыграть на редчайших клавишных самого Шопена, Чайковского, Рахманинова, Екатерины Второй и даже Гиммлера!
Аккомпанирует немому изображению на экране импровизацией: солдатам — марш, играющим детям — задорную польку. Некоторые фильмы представить без музыки невозможно. Знаменитый фильм «Александр Невский» Прокофьев писал покадрово под музыку.
В картине можно познакомиться с эпохой и услышать голос Чаплина. Фильм имеет мало отношения к комедийности, хотя элемент комедии там, конечно, присутствует, но больше говорит о трагедии в самом интересном, психологическом смысле», — поясняет Елена Сорокина. Чаплин обратился к идее Орсона Уэллса, которого заинтересовала история французского брачного афериста Анри Ландрю. В фильме элегантный мсье Верду, потерявший работу во время Великой депрессии, заводит дружбу по переписке с несколькими женщинами. Не подозревая, что у Верду в Париже есть жена и сын, они поддаются его обаянию и не догадываются, насколько печально это может для них закончиться, — недаром фильм изначально представляли с подзаголовком «Комедия убийств».
Классика Чаплина: от «Собачьей жизни» до «Огней большого города» В кинотеатре «Космос» 17 октября покажут «Парижанку» 1923 , где Чаплин в качестве режиссера изображает нравы высшего общества того времени. В центре сюжета — влюбленные, счастью которых противятся их родители. Это не комедия, которая привычно ассоциируется с именем Чарли Чаплина, а потому зрители приняли фильм довольно прохладно. Зато его высоко оценили кинокритики, ведь режиссер нашел такие выразительные средства, каких до этого в немом кино еще не видели. Лента получила в 1925 году премию киноакадемии Японии как лучший художественный фильм, о ней перед началом показа тоже расскажет Елена Сорокина. А вот в короткометражных «Пилигриме» 1923 и «Собачьей жизни» 1918 , которые можно будет посмотреть 21 октября, зрители увидят Чаплина-Бродягу — именно этот образ изгоя с золотым сердцем, в мешковатых штанах, тесноватом сюртучке и огромных ботинках принес ему популярность. Герой первого фильма — сбежавший преступник, которому нужно избавиться от тюремной робы, а потому он ворует чужую одежду. В «Собачьей жизни» Бродяга пытается украсть еду из тележки коммивояжера, сбегает от полиции с помощью причудливых акробатических трюков, спасает дворняжку, хитростью отбирает у грабителей кошелек — словом, предстает героем эксцентрической комедии в ее лучших традициях.
В Доме радио открыли первый международный кинофестиваль национального немого кино. Его тема достаточно специфичная - "Голландский угол". Этот термин обозначает кадр, когда камера статично смотрит снизу вверх при наклоне горизонта. Такой прием широко использовали в начале 20-го века.
Немой кинематограф сопротивлялся недолго и быстро исчез. Кино без звука время от времени пытается эффектно вернуться на экран, но утопает в ностальгии по лучшим временам. Соскучились по Бродяге Чарли Чаплина? Plonk , который в своём путешествии из 1907 года в 2007 использует чаплиновские гэги и выглядит, как герой комедии пощёчин начала XX века. Вас поразил «Метрополис» Metropolis Фрица Ланга? У Эстебана Сапира из 2007 есть антиутопический ответ под названием «Антенна» La antena.
Ее герои живут в 1927 году. Картину положительно воспринимают критики. Она получает пять «Оскаров». И, казалось бы, возрождение немого кино совсем близко. Но его не происходит. Через год появляется драма Пабло Бергера «Белоснежка» Blancanieves. Действие сказки перемещается в Испанию, и это опять 20-е годы. В 2019 году российский режиссёр Владислав Козлов планирует показать миру «Смерть Шейха» Silent Life , немую биографическую драму о первом секс-символе Голливуда. И нетрудно догадаться, в какую эпоху происходит действие фильма.
В Париже показали немое кино Узбекистана
Кинокритик "" Павел Воронков рассказывает про две немые (!) ленты из программы смотра. Дореволюционных немых фильмов сохранилось всего-ничего — меньше 15%. Классический, немой художественный фильм Якова Протазанова, вольная. Главное по теме «Немое кино» – читайте на сайте Новое немое кино (New Silent Cinema) – немое кино или фильмы, использующие возможности и ограничения немого кино, снятые после прихода в кинематограф звука.
Немое кино. Смотреть или нет?
Искусству плаката в немом кино посвящена выставка в Библиотеке Эйзенштейна. 31 октября зрителям представят один из последних немых фильмов Чарли Чаплина — мелодраму «Огни большого города» (1931). Показ лучших немых комедий в сопровождении аутентичного джазового ансамбля. Все самое интересное и лучшее по теме немое кино на развлекательном портале фильм советского режиссёра-авангардиста Михаила Кауфмана “Весной“ (1929). В классике немого кино, снятой в 1926 году режиссёром Олегом Фрелихом актуальная для того времени тема.
«Немое кино с оркестром» покажут в кинотеатре «Космос»
Однако в противовес работам Люмьеров, Эдисон снимал свои фильмы с частотой 30-40 кадров в секунду. И ровно также, считать его подход неправильным было довольно сложно. Особенность заключалась в том, что в отличие от звукового кино, в котором было недопустимо изменение скорости проецирования, так как из-за этого искажался звук, качество немого кино никак не зависело от темпа воспроизведения. Чарльз Чаплин, 1916 год Первые кинопроекторы в своей конструкции не были оснащены стабильными электроприводами. Вместо автоматизированной системы плёнку вручную прокручивали киномеханики. В то время человек, крутящий ручку проектора считался не менее важной персоной, чем тот, кто кино снимал.
Подбор скорости и темпа воспроизведения фильма было отдельным видом искусства. Более того, это была весьма ответственная работа. Слишком медленное проецирование плёнки на основе нитрата целлюлозы было сопряжено с риском возгорания, поскольку каждый кадр в течение длительного времени подвергался воздействию высокой температуры проекционной лампы. Слишком же быстрое воспроизведение было чревато появлением головокружения и чувства тошноты у зрителей. В балансе находилась истина.
Бастер Китон и киноплёнка Однако зачастую скорость воспроизведения того или иного фильма предопределялась заранее, исходя из жанровой принадлежности, характера публики, популярности картины или времени суток её показа. Например, для «оживлённой» публики было принято проецировать фильмы с частотой кадров 20-30 в секунду, тогда как для публики более спокойной частоту снижали до 18-24 кадров. Комедии показывались в ускоренном формате, фильмы ужасов обычно замедляли. Также имело место банальное увеличение скорости воспроизведения с целью повышения «проходимости» залов ради финансовой выгоды. Доходило до того, что фильмы проецировались с невероятной для того времени скоростью в 50-60 кадров в секунду.
Изображение искажалось до неузнаваемости, а зрителям становилось не по себе. В связи с этим немецкая полиция даже выпустила постановление о запрете проецирования кинофильмов с частотой кадров выше стандартной. Например, многие сцены из фильма «Кабинет доктора Калигари» 1920 с Фридрихом Фехером в главной роли имели янтарный оттенок. С конца XIX века в кинематографе появилось понятие «тонирование» плёнки. Суть этого процесса заключалась в химической обработке чёрно-белого позитива или отдельного кадра , приводящей к изменению окраски тона этого кадра.
Фильм целиком или отдельные сцены не становились разноцветными, однако они приобретали один общий оттенок, характеризующий то или иное настроение экранного действия. Чаще всего картины тонировались в синие, жёлтые, красные оттенки, или оттенки сепии. Роберт Вине, 1920 год Ручное нанесение краски на плёнку началось в 1894-1895 годах в Соединенных Штатах, когда Томас Эдисон выпустил в прокат отобранные вручную и склеенные части тонированной плёнки под названием «Танец бабочек» или «Змеиный Танец Аннабель» 1895. В этом, к слову, первом цветном фильме, по крайней мере, произведённом Томасом Эдисоном, Аннабель Уитфорд, юная танцовщица с Бродвея танцует в красивом платье в течение тридцати секунд. По ходу танца цвет платья девушки меняется от белого до красного и наоборот.
Такая техника окраски киноплёнки была разработана, чтобы запечатлеть эффект живых выступлений американской актрисы Лой Фуллер, начиная с 1891 года, в которых сценическое освещение с особыми цветными гелями создавало ощущение художественных движений рукавов и подола её прекрасного платья. Эксперименты с цветной плёнкой продолжались до 1909 года. Потребовалось гораздо больше времени, чем ожидалось изначально, чтобы цвет в кино вошёл в более массовый оборот, перейдя из категории опытного исследования в полноценную разработку. Томас Эдисон, 1895 год Однако кино не сразу стало цветным именно в том понимании, о котором мы привыкли думать сейчас. Первые, так называемые, «цветные» фильмы представляли собой скорее небольшие палитры с набором нескольких красок, нежели полноценные разукрашенные полотна.
В самых ранних цветных фильмах синий цвет обычно означал ночные сцены, жёлтый или оранжевый — дневные. Красный символизировал огонь или любовные настроения, а зелёный — таинственную атмосферу. Сочетание различных цветов и эффектов давало поистине поразительные результаты для того времени. Сирл Доули, 1910 год Если говорить о чисто технической стороне вопроса, то окрашивание плёнки в тот или иной цвет основывалось на различных химических реакциях, проводимых между собственно плёнкой и специальными реагентами. Также довольно часто использовались и такие органические красители, как пиронин, фуксин, родамин — для красного цвета; метиленовый голубой — для голубого и синего; малахитовый зелёный или метиленовый зелёный для зелёного оттенка плёнки.
Фотографии, тонированные в разные цвета. Вверху исходный цветной снимок, в центре его редукция до чёрно-белого, внизу — сепия Ручная окраска киноплёнки часто использовалась в ранних европейских фильмах жанра фэнтези, особенно в фильмах Жоржа Мельеса. Максимально точное тонирование плёнки применялось в мастерской Элизабет Тюилье в Париже, где группы художников-женщин вручную добавляли слои цвета к каждому кадру, вместо того, чтобы использовать более распространенный и менее затратный процесс трафарета, при котором краска на плёнку наносилась за раз по заранее готовым лекалам. Например, отреставрированная версия фильма Жоржа Мельеса «Путешествие на Луну» 1902 года демонстрирует обильное использование цвета, призванного добавить изображению текстуру и объёмность. Жорж Мельес, 1902 год В начале XX века больше всего к окрашиванию немых фильмов прибегали во Франции.
Об этом свидетельствуют данные каталога американских дистрибьюторов кинолент от 1908 года. Исходя из этих данных становится очевидно, что за окрашенные вручную фильмы дистрибьюторы просили большие суммы, чем за более классические чёрно-белые варианты. В каталоге такие фильмы именовались, как «ленты высокого класса». Например, обычная копия фильма «Бен Гур» 1907 года предлагалась за 120 долларов 3415 нынешних долларов , а цветная версия того же 12-минутного фильма стоила уже 270 долларов 7683 доллара , включая дополнительные 150 долларов за тонирование картинки. Да, тонировать киноплёнку вручную было удовольствием не из дешёвых.
И пусть причины указанной надбавки были, вероятно, очевидны для покупателей и владельцев кинотеатров того времени, французские дистрибьюторы объясняли, почему цветные плёнки в их каталогах имели значительно более высокие цены и требовали большего времени для доставки в кинотеатры, сравнивая свои технологии с процессом раскрашивания киноплёнки, характерным для Соединённых Штатов Америки. Постер фильма «Бен Гур» 1907 года Ручное раскрашивание кинофильмов требовало огромного количества времени и трудозатрат. Шутка ли, но каждый колорист должен был обработать до 16000 отдельных кадров на каждые 300 метров плёнки. В связи с отсутствием технологии трафаретного окрашивания на территории США, американские художники очень неохотно брались за работу по тонированию фильмов. Противоположная ситуация обстояла во Франции.
Поскольку окраска плёнок в стране любви и багетов прогрессировала намного быстрее, чем в любой другой, все работы по тонированию фильмов выполнялись в лучших мастерских Парижа методом трафаретного нанесения красок, о котором говорилось выше и который ускорял работу художников в разы, сокращая и расходы, и время. Евгений Бауэр, Вячеслав Висковский, 1915 год К началу 1910-х годов, с появлением полнометражных фильмов, тонирование использовалось как ещё один параметр передачи настроения сцены, столь же обыденный, как и оркестровая фоновая музыка. Режиссёр Д. Гриффит проявлял большой интерес к разному цвету отдельных кадров и использовал тонирование, как особый эффект во многих своих фильмах. В его эпосе 1915 года «Рождение нации» использовалось несколько цветов, в том числе янтарный, синий, лавандовый и яркий красный оттенок, для таких сцен, как, например, «сожжение Атланты» или «появление Ку-клукс-клана».
Позже Гриффит лично изобретёт цветовую систему, в которой цветные огни вспыхивали на областях экрана за полотном кинотеатра для получение того или иного оттенка разных частей кадра. Сцена с красным оттенком, в которой демонстрируются участники Ку-клукс-клана в фильме «Рождение нации» Д. Гриффита В конечном итоге технологии тонирования плёнки так и не удалось прижиться в мире массового кинопроизводства. Преградой для дальнейшего развития подобного раскрашивания фильмов стало появление звука, интегрируемого непосредственно на плёнку. Именно с появлением звукового кино кинопроизводители отказались от техники тонирования плёнки.
Причина была до банальности проста — красители, используемые в процессе тонирования нарушали работу звукового сопровождения, приводя киноплёнку в негодность. И если в то время это не было чем-то необычным, то, конечно, для современного зрителя подобный подход к воплощению роли, скорее покажется комичным, упрощённым или вовсе манерным. Чарльз Чаплин, 1931 год Искусство актёрского мастерства эпохи немого кинематографа корнями напрямую нисходило к театральным подмосткам. Именно из закулисья театральных сцен XIX века, сделав решительный шаг вперёд и встав перед камерой подавляющее большинство актёров ступили на новый виток собственных карьер. Отсюда и зародилась изначальная карикатурность демонстрируемых на экране образов того времени.
Всё позапрошлое столетие, что, к слову, было обусловлено ещё драматургическими законами античности, сценарно-исполнительское дело всецело умещалось в рамки определённых формальных категорий. Театральный репертуар составляли в основном мюзиклы, водевили, мелодрамы и оперы. Сцена из водевиля «Беда от нежного сердца», 1901 год Все эти жанры объединяла одна характерная черта — грубый иллюстративный актёрский стиль исполнения. В то время актёр был в большей степени инструментом, причём инструментом не заточенным — актёр всегда оставался лишь физическим воплощением отдельных эмоций. Его основную роль видели исключительно в оживлении идей произведения в грандиозно-символической манере.
И как в своё время театр был местом, где повествование всегда находилось выше жизни, так и кинематограф на этапе своего становления перенял эту гротескную особенность сполна. Единственно важной вещью, требуемой от актёров того времени была коммуникативная ясность в отношении к зрителю, зачастую граничащая с противоположением реализму. Всё внимание отдавалось анализу того, какие жесты и методы вокальной артикуляции способствовали чистому воплощению драматических эмоций, как на сцене, так и на экране. Ведь по своей сути многие фильмы эпохи немого кино представляли собой более усовершенствованные театральные постановки. Чарльз Чаплин, 1917 год Конечно, хотя подобное «карикатурное поведение» актёров перед кинокамерой и оказалось совершенно естественным продолжением одной формы искусства в другую, люди довольно быстро почувствовали, что в кино так быть не должно.
Например, американский сценарист и режиссёр Маршалл Нейлан в 1917 году активно критиковал безоговорочную монополию театральных актёров в мире кинематографа. Чем раньше люди пришедшие в мир кино с театральной сцены и принёсшие с собой оттуда все законы, уйдут, тем лучше будет для кинокартин Маршалл Нейлан, Американский сценарист и режиссёр В других случаях, не пытаясь критиковать или обвинять кого-то, многие режиссёры просто требовали от актёров на съёмочной площадке больше выразительности, экспрессии и эмоционального отыгрыша. Одним из таких режиссёров, например, был Джон Гриффит Рэй. Уже с середины 1910-х зрители начали заявлять о своём предпочтении в демонстрации большей естественности на экране. Именно с этого времени немое кино стало менее водевильным, поскольку различия между сценой и экраном стали куда более очевидны.
Благодаря работе таких режиссёров, как Дэвид Уорк Гриффит, кинематография стала менее «театральной», а развитие крупного плана позволило добиться большего реализма в актёрском мастерстве. Слева направо: Мэри Пикфорд, Дэвид Уорк Гриффит, Чарльз Чаплин, Дуглас Фэрбенкс Самый известный актёр эпохи немого кинематографа — Чарли Чаплин — в 1910-х годах ещё активно продолжал использовать приёмы пантомимы и буффонады в короткометражных комедиях, сюжет которых выстраивался вокруг образа «бродяги» и которые были поставлены на поток киностудией Кистоун. Однако начиная с 1920-х в его творчестве стали фигурировать значительно более серьёзные социальные темы, чем это было в раннем периоде короткометражного кино. Что, конечно, отражалось и на актёрской игре. Ровно тоже самое можно сказать и про другого, не менее важного человека, определившего вектор развития кинематографа в эпоху его безмолвия.
Бастер Китон, будучи выходцем из водевильной семьи идентично Чаплину со временем переступил порог в сторону большего реализма в исполнительском ремесле. Бастер Китон и Чарли Чаплин, 1918 год Тем не менее, изначально тренд на натуралистичность и глубину эмоционального окраса в работе актёра начал зарождаться ближе к концу XIX века в Русском Театре. Новая тенденция захватила умы молодых актёров и режиссёров, бросая вызов вековым традициям театрального искусства. Тенденция эта обрела довольно прозаичное название — «Реализм». Новые театры «Реализма» стали полагаться на полную естественность пребывания на сцене, копая вглубь основополагающих допущений в символической структуре исполнения.
Зачинщиком этого сценического переворота и главным вдохновителем идеи «Реализма» был Константин Станиславский. Создавая альтернативный подход, он пытался найти не просто новый набор символов или жестов, а открыть во всех отношениях иную методологию, через которую зритель сможет воспринимать актёрское мастерство. Русский театр конца XIX — начала XX века Станиславский считал, что по-настоящему прожить роль своего персонажа актёру помогают не определённый набор действий, демонстрирующий идеи произведения и чувства актёра, а его внутренние переживания, подкреплённые жизненным опытом. Самый чистый перфоманс по Станиславскому — тот, который актёр не ожидает сам. Тот, когда личность актёра растворяется в персонаже.
Как говорил об этом сам Константин Станиславский, оперируя собственными понятиями, «искусство репрезентации» должно перерасти в «искусство представления». Иными словами, маска должна стать лицом актёра. Именно этот принцип со временем и обрёл статус основополагающего на поле мирового кинематографа. Константин Станиславский Используя наработанные методики Станиславского, по ту сторону океана такие режиссёры, как Альберт Капеллани и Морис Турнер, начали настаивать на реализме в своих фильмах. К середине 1920-х годов многие американские немые фильмы приняли более натуралистический стиль актёрской игры, хотя не все актёры и режиссёры сразу приняли эти изменения.
Ещё в 1927 году фильмы с гротескными перфомансами, например, «Метрополис» Фрица Ланга, всё ещё продолжали выпускаться. Конечно, их доля с каждым годом становилась всё меньше. Также, по словам Антона Каеса, специалиста по немому кино из Калифорнийского университета в Беркли, в американском немом кино в период с 1913 по 1921 год, помимо воздействия идей Станиславского, начался сдвиг в актёрских техниках под влиянием приемов немецкого немого кино. В основном это было связано с притоком иммигрантов из Веймарской республики, включая режиссёров, продюсеров, операторов, светотехников, а также актёров и актрис. Фриц Ланг, 1927 год В конечном счёте, по ходу становления кинематографа, как искусства в эпоху экранной тишины актёрская игра перестала быть лишь чёткой репрезентацией или симулякром, а стала содержать тонкие оттенки уязвимости, начав фокусироваться на личности, подтексте и подсознательном.
В 1950-х годах «искусство представления» дало на экране жизнь таким актёрам, как Марлон Брандо, Джеймс Дин и Монтгомери Клифт. К концу эпохи немого кинематографа актёры научились полностью проживать собственные роли, пропуская через себя все душевные переживания персонажей. И даже сам театр принял те изменения, причиной которых стал изначально, оставив карикатурное исполнения в прошлом, лишь изредка прибегая к нему в виде исключения, но не правила. Жизнь в эпоху экранного молчания В пике своего рассвета эпоха немого кинематографа просуществовала примерно до начала 1930-х годов, когда первые кинофильмы стали обзаводиться полноценной звуковой дорожкой. Конечно, с точки зрения общемировой истории период, насчитывающий в своём активе не более тридцати пяти-сорока лет покажется одним мгновением.
Однако и в рамках просто мировой истории кинематографа эта цифра с каждым годом становится всё менее масштабна, хоть и не менее значительна. Так или иначе, это было время становления. Становления новой формы искусства. Становления отдельного направления творческой мысли. Становления живо изменяющихся технологий, под стать стремительно движущемуся прогрессу.
Становления целого отдельного мира, не похожего ни на что, и одновременно, напоминающего обо всём сразу. Это была настоящая жизнь. А, как известно, жизнь — штука совсем непростая. И если основоположники кинематографа — братья Люмьер — снимали свои фильмы, что называется, под крылом личной инициативы, то Томас Эдисон, конкурировавший с Люмьерами, как в техническом, так и в художественном планах, довольно быстро довёл эту идею до инициативы студийной. Томас Эдисон и его кинетограф Свою первую киностудию Эдисон основал в Вест-Ориндж, штат Нью-Джерси в 1892 году спустя год после того, как презентовал публике фильм «Приветствие Диксона», главную роль в котором исполнил инженер, работавший вместе с Эдисоном над аппаратом кинетографа, о котором говорилось ранее.
Студия получила лаконичное название «Edison» в честь имени собственного создателя. Со временем, в 1907 году Эдисон изменил расположение студии, переместив её в Бронкс, штат Нью-Йорк.
После сеанса об истории создания и художественных особенностях фильма расскажет киновед Андрей Икко. Подробности можно найти на сайте «Иллюзиона».
Ещё больше обзоров премьер и рецензий на фильмы ищите у нас на сайте в разделе про кино.
Немое кино озвучит The Easy Winners Band Проект Звучащее немое кино объединил джаз и классику кино В 2017 году в Белом зале впервые состоялся показ немых фильмов. Самые смешные трогательные картины с Чарли Чаплиным и Бастором Китоном можно посмотреть на большом экране. О фильмах и особенностях стилистики кинематографа прошлого столетия расскажет кинокритик, специалист по эпохе немого кино Алексей Муравьев. The Easy Winners — единственный бэнд в Северной столице, который «специализируется» на джазовой архаике Петербургская публика может насладиться шедеврами «Коридорный» 1918 , «Скетинг-ринг» 1916 и «Соседи» 1920. Коллектив существует около 20 лет и неизменно следует своему пути.
В рамках перформанса будет показано два фильма: фильм режиссера Фридриха Мурнау «Замок Фогелед» и фильм «Раскольников» режиссера Роберта Вине. Изначально была идея присоединиться к немецким музыкантам, но реализовать ее не удалось из-за пандемии, поэтому команде пришлось заранее записать саундтреки и смонтировать фильмы. Все это привело к рождению совершенно новых аудиовизуальных произведений. Перед показом фильмов зрители смогут прослушать лекцию Павла Милославского о состоянии немецкого кинематографа в 1920-х годах, о русских актерах и «русском Берлине» — социокультурном феномене, имевшем место как раз в то время.
Концерт «Немое кино — живая музыка: «Шерлок-младший»
В свою очередь звуковое кино начинает разделять киноманские вкусы и сферы изучения по разным направлениям, системам и идеологиям. Профессор кафедры драматургии и киноведения Артюх А.
Берлин накануне экономического кризиса, почти отсутствующий бюджет на съемки, небольшой состав актеров-любителей, не сработавшаяся съемочная группа, отсутствие студийной поддержки. Тем не менее фильм вышел на экраны в 1930 году и оказался весьма успешным для малобюджетной картины без громких имен.
Тогда негромких. Они с трудом договаривались между собой и единственное, что тогда их объединяло — желание показать на экране жизнь как она есть, во всей ее непосредственности.
Фото Виктора Петрова. Активное посещение выставки говорит об интересе к картинам давних лет и к тому, как они были представлены художниками в афишах и плакатах. Что неудивительно. Ведь киноплакат - это культурно-исторический документ, дающий представление о кинематографических практиках, массовом вкусе и стилистических предпочтениях публики, графической моде и печатных технологиях, - того или иного периода. Неудивительно, что именно в северной Пальмире собрана обширная коллекция по кино: по части зрелищ Петербург почти не отставал в XIX веке от города-законодателя мод Парижа.
Не прошло и полгода после нашумевшего кинопоказа на бульваре Капуцинок, как первые синематографические аппараты были завезены в Россию.
Немой фильм-памятник впервые зазвучит! Голос за кадром — выдающийся советский, российский актер, народный артист России Виктор Сухоруков. Музыка на премьере будет живой — её обеспечит Севастопольский симфонический оркестр и военный оркестр Севастопольского полка Росгвардии.
Мировые шедевры эпохи немого кино
Немое кино — все новости по теме на сайте издания В это же время в Кинолектории состоится показ черно-белого немого исторического фильма "Декабристы" (1925). О фильмах и особенностях стилистики кинематографа прошлого столетия расскажет кинокритик, специалист по эпохе немого кино Алексей Муравьев. 49 результатов новостей.